[ 学习帖 ] 学习__不定期更新

bei16168

前言


很多绘画爱好者都在想着怎样提高自己的水平
在这里我想收集一些资料来和大家一起学习
虽然我不是高手而只是一只在学习中的菜鸟
所以在学习上没有什么高低之分
开这个帖只要是可以提高大家的学习积极性


要知道高手都是很少露面的
很多都是自学成材的
更何况现在的网络那么发达
不懂的知识可以搜索来离补
只是看自己有没有去努力而已
学习始终还是要靠自己不断去实践
希望大家可以在学习中提高自己的水平



帖子会不定期的更新
毕竟斑竹是义务而且是没有收入的  (有很多人都误解斑竹都有钱收...)
在现实生活中也有自己说不出的困难
所以更新不会是一天天或许会比较慢
也请各位见谅
现在有这个平台可以互动学习
希望大家也可以多点互相交流
毕竟斑竹的能力也有限



第一次编以前高中美术老师教我的一些知识和在一些书本知识做个总结还有在网上收集的资料
说的内容会有些偏向于自己喜欢的内容所以其他知识或许会搜集或略带说一下
或许有不足或有遗漏
希望高手或者想学的朋友可以给点指点
让学习更有意义
而不是老呆在自己的帖子里看有没有人回复
互相串们给意见或交流会比一个人闭门学习好得多
当然给意见建议是在不伤害别人的基础上
帖子一式两份
一份在置顶帖方便浏览    http://space.flash8.net/bbs/thread-343550-1-1.html
一份方便交流                http://space.flash8.net/bbs/thread-343549-1-1.html








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知识点:

收集的美术知识







【词语】：美术

【注音】：měi shù

【释义】：社会意识形态之一。指占据一定空间、具有可视形象以供欣赏的艺术。包括绘画、雕塑、工艺美术、建筑艺术等，在中国还包括书法和篆刻艺术。
               “美术”这一名词始见于欧洲17世纪，也有人认为正式出现于18世纪中叶。近代日本以汉字意译，五四运动前后传入中国，开始普遍应用。也称“造型艺术”。

详解：

美术是以物质材料为媒介,塑造可观的静止的，占据一定平面或立体空间的艺术形象的艺术．表现作者思想感情的一种社会意识形态，同时也是一种生产形态．

通常指绘画、雕塑、工艺美术、建筑艺术等在空间开展的、表态的、诉之于人们视觉的一种艺术。
十七世纪欧洲开始使用这一名称时 ，泛指具有美学意义的绘画、雕刻、文学、音乐等。我“五四”前后开始普遍应用这一名词时，也具有相当于整个艺术的涵义。
例如鲁迅在一九一三年解释“美术”一词时写道：“美术为词……译自英之爱忒。爱忒云者，原出希腊，其谊为艺。
随后不久，我国另以“艺术”，一词翻译“爱忒”，“美术”一词便成为专指绘画等视觉艺术的名称了。


艺术传播即指借助于一定的物质媒介和传播方式，将艺术信息或作品传递给接受者的过程。
艺术接受即指在传播的基础上，以艺术作品为对象、以鉴赏者为主体，积极能动的消费、鉴赏和批评活动。


以往从艺术作品到艺术欣赏，大多采用简单的、直接的传播方式，传播的意义并未引起人们的关注，
这主要是由于生产力水平及科技水平的局限，致使传播功能落后，未能对艺术活动产生较大的影响。



而在近百年、特别是近几十年来，世界科学技术的迅捷发展对于艺术活动产生了巨大影响。电子技术、卫星技术、计算机技术等高新科技的发展以及在文化艺术领域的广泛应用，使艺术传播方式和功能获得重大进展。它不仅使影视艺术成为当今最具有大众性的艺术样式，同时也将其中许多表现形式和传播方式影响到其它艺术样式，视像技术的优越性功能得到充分的体现。艺术传播在当代艺术活动领域，已经显示出越来越重要的作用和地位，对于艺术品的传播形式、规模、速度、周期、增殖量大小，以及对于接受者的接受方式、欣赏情趣等，都具有极大的影响。

艺术的接受，包括艺术的消费、鉴赏和批评，是艺术活动的终点，也是艺术家及艺术作品内在价值获得最终实现的根本途径。艺术接受者的鉴赏与批评活动具有很强的主体性意义，它既是对于艺术作品的审美认知、诠释和创造，同时也是与艺术家的精神交流和对话。艺术接受还可以对艺术家乃至客体世界予以精神性反馈，从而实现艺术活动与社会活动的联结，使艺术活动融于人类社会活动的宏大系统中，并在其间发挥权极的作用。

是门类艺术与哲学、美学、文化学、社会学、心理学、传播学、人类学、比较学、艺术史学等相结合的学科。从艺术本质、艺术起源、艺术发展、艺术创造、艺术鉴赏、艺术传播等各个方面，探讨人类艺术发生与发展的规律，未来的走向及变化。美术传播的理论与历史研究方向更着眼于美术领域中的大众传播,研究在新媒体背景下,美术作为传播信息和传播载体的种种问题。










【美术】

　　通常指绘画、雕塑、工艺美术、建筑艺术等在空间开展的、表态的、诉之于人们视觉的一种艺术。十七世纪欧洲开始使用这一名称时 ，，泛指具有美学意义的绘画、雕刻、文学、音乐等。我“五四”前后开始普遍应用这一名词时，也具有相当于整个艺术的涵义。例如鲁迅在一九一三年解释“美术”一词时写道：“美术为词……译自英之爱忒。爱忒云者，原出希腊，其谊为艺。随后不久，我国另以“艺术”，一词翻译“爱忒”，“美术”一词便成为专指绘画等视觉艺术的名称了。





【质感】

　　绘画、雕塑等造型艺术通过不同的表现手法，在作品中表现出各种物体所具有的特质，如丝绸、肌肤、水、石等物的轻重、软硬、糙滑等各各不同的质的特征，给予人们以真实感和美感。




【量感】

　　借助明暗、色彩、线条等造型因素，表达出物体的轻重、厚薄、大小、多少等感觉。如山石的凝重，风烟的轻逸等。绘画中表现实在的物体都要求传达出对象所特有的分量和实在感。运用量的对比关系，可产生多样统一的效果。




【空间感】

         在绘画中，依照几何透视和空气透视的原理，描绘出物体之间的远近、层次、穿插等关系，使之在平面的绘画上传达出有深度的立体的空间感觉。



【透视】

　　绘画法理论术语。“透视”一词原于拉丁文“perspclre”（看透）。最初研究透视是采取通过一块透明的平面去看景物的方法，将所见景物准确描画在这块平面上，即成该景物的透视图。后遂将在平面画幅上根据一定原理，用线条来显示物体的空间位置、轮廓和投影的科学称为透视学。



【明暗】

　　绘画术语。指画中物体受光、背光和反光部分的明暗度变化以及对这种变化的表现方法。物体在光线照射下出现三种明暗状态，称三大面，即：亮面、中间面、暗面。三大面光色明暗一般间面、暗面。三大面光色明暗一般又显现为五个基本层次，即五调子:① 亮面一直接受光部分；②灰面一中间面，半明半暗；③明单间交界线一亮部与暗部转折交界的地方；④暗面一背光部分；⑤反光一单间面受周围反光的影响而产生的暗中透亮部分。依照明暗层次来描绘物象，一直是四方绘画的基本方法。文艺复兴时期瓦萨里在其《美术家列传》中就曾论述：“作画时，画好轮廓后，打上阴影，大略分出明暗，然后在单间部又仔细作出明暗的表现，亮部亦然。”欧洲画家中伦勃朗是擅长明暗法技巧的大师。



【构图】

造型艺术术语。指作品中艺术形象的结构配置方法。它是造型艺术表达作品思想内容并获得艺术感染力的重要手段。



【色彩】

　　绘画的重要因素之一。是各种物体不同程度地吸收和反射光量，作用于人的礼堂所显现出的一种复杂现象。由于物体质地不同，和对各种色光的吸收和反射的程度不同，使世间万物形成千变万化的色彩。




在艺术分类中，美术又称造型艺术、视觉艺术、空间艺术。它是指艺术家运用一定的物质材料，如颜色、纸张、画布、泥土、石头、木料、金属等，
塑造可视的平面或立体的视觉形象，以反映自然和社会生活，表达艺术家的思想观念和感情的一种艺术活动。它主要包括绘画、雕塑、工艺、建筑等类型。　　






1、绘画

　　绘画是造型艺术中最主要的一种艺术形式。它是指运用线条、色彩和形体等艺术语言，通过造型、设色和构图等艺术手段，在二维空间(即平面)里塑造出静态的视觉形象，以表达作者审美感受的艺术形式。绘画种类繁多，从不同的角度可将它划分为不同的类别。从地域看，绘画可分为东方绘画和西洋绘画；从工具材料看，绘画可分为水墨画、油画、版画、水彩画、水粉画等；从题材内容看，绘画可分为人物画、风景画、静物画、动物画等；从作品的形式看，绘画可分为壁画、年画、连环画、漫画、宣传画、插图等。不同类别的绘画形式，由于各自的历史传统不同，都有着各自独特的表现形式与审美特征。中国画又称水墨画，它在世界绘画领域中自成体系，独具特色，是东方绘画体系的主流。在工具材料上，中国画是用毛笔、墨在宣纸、绢帛上作画的，它讲究笔墨，着眼于用笔墨造型。在表现方法上，中国画采用一种散点透视的方法。在画面的构成上，中国画讲究诗、书、画、印交相辉映，形成独特的形式美与内容美。油画是西洋绘画的代表，它是世界绘画艺术中最有影响的画种。
　　在工具材料上，油画是用油质颜料在布、木板或厚纸板上画成的。在表现方法上，传统的油画家采用焦点透视法作画。在画面构成上，它讲究画面景物充实，按自然的秩序布满画面，呈现出自然的真实境界可雕刻和塑造的物质材料制作出具有实体形象、以表达思想感情的一种艺术形式。雕塑的种类可以从不同角度来划分。从制作工艺来分，雕塑可分为雕和塑。雕是从完整而坚固的坯体上把多余部分删削、挖凿掉，如石雕、木雕、玉雕等，塑是用具有粘结性的材料联接、构成为所需要的形体，如泥塑、陶塑等。从题材来分，雕塑可分为纪念性雕塑、建筑装饰性雕塑、城市园林雕塑、宗教雕塑、陵墓雕塑、陈列性雕塑。从表现形式来
　　



2、雕塑

　　雕塑是用可雕刻和塑造的物质材料制作出具有实体形象、以表达思想感情的一种艺术形式。雕塑的种类可以从不同角度来划分。从制作工艺来分，雕塑可分为雕和塑。雕是从完整而坚固的坯体上把多余部分删削、挖凿掉，如石雕、木雕、玉雕等，塑是用具有粘结性的材料联接、构成为所需要的形体，如泥塑、陶塑等。从题材来分，雕塑可分为纪念性雕塑、建筑装饰性雕塑、城市园林雕塑、宗教雕塑、陵墓雕塑、陈列性雕塑。从表现形式来分，雕塑可分为圆雕、浮雕。圆雕是不附在任何背景上，可从四面八方观赏的立体雕塑。浮雕是在平面上雕出凸起的艺术形象。


　　


3、工艺美术

      工艺美术是指日常生活用品经过艺术化处理以后，使之具有强烈的审美价值的产品。我们一般把工艺美术分为实用工艺美术和陈设欣赏的工艺美术。实用工艺美术是整个工艺美术的主体和基础，包括衣、食、化、行、用的工艺品类，实用价值是这类工艺品的主要价值，审美价值是作为辅助价值存在的。这类工艺品包括经过装饰加工的茶餐具、灯具、木器家具、绣花制品、草竹编织品等等。陈设欣赏工艺品是指那些以摆设、观赏功能为主的工艺品，这类工艺品以审美为其首要价值，手工技艺性很强，实用价值已不明显或完全消失，如玉器、金银首饰、象牙雕刻、景泰蓝、漆器、壁挂、陶艺等。



　　
4、建筑艺术
建筑是建筑物和构筑物的统称。是人类用砖、石、瓦、木、铁等物质材料在固定的地理位置上修建或构筑内外空间、用来居住和活动等的艺术。建筑艺术则是指按照美的规律，运用建筑艺术独特的艺术语言，使建筑形象具有文化价值和审美价值，具有象征性和形式美，体现出民族性和时代感。以其功能性特点为标准，建筑艺术可分为纪念性建筑、宫殿陵墓建筑、宗教建筑、住宅建筑、园林建筑、生产建筑等类型。 从总体来说，建筑艺术与工艺美术一样，也是一种实用性与审美性相结合的艺术。建筑的本质是人类建造以供居住和活动的生活场所，所以，实用性是建筑的首要功能；只是随着人类实践的发展，物质技术的进步，建筑越来越具有审美价值。













一
中国画内容

中国画（亦称国画）是我国特有的画种，由于民族性格、历史文化传统、审美以及绘画材料和工具的不同，
经过无数画家的努力形成的、带有民族特色的画种，是世界艺术中的重要组成部分。

1中国画是我国传统造型艺术之一，简称中国画。
2中国画的工具有哪些笔、墨、纸、砚。
3中国画从题材上分为人物、山水、花鸟三类，从表现形式上可分为工笔、写意两种
4中国画讲究形式美，要求作品有“型神兼备”“气韵生动”的艺术效果。同时还十分重视用笔、用墨，构图不受时间、空间的限制，也不受焦点透视的束缚，画面空白的运用独具特色。中国画强调诗、书、画、印所构成的完美的艺术整体效果。
5墨分五色：焦、浓、重、淡、清。
中国画用墨有“墨分五彩”之说，即焦墨、浓墨、重墨、淡墨、清墨。
从笔含水分的多少，又有干湿之分，归纳为：干、湿、浓、淡四个字。
关于墨的方法有蘸墨法、泼墨法、积墨法
6中国画用具：生宣纸、毛笔、衬纸、笔洗、调色盘、书画墨汁、国画或水彩颜色。
7中国画中的笔法：中锋、侧锋、逆锋、顺锋。山水画的笔法：皴、擦、点、染。
8中国画的用笔主要以下几个方法：中锋、侧锋、逆锋。此外，还有藏锋、露锋、散锋聚锋等多种用笔方法。





二
民间艺术

泛指劳动者自己，而非专业美术工作者创造点，在乡村城镇中由民间艺人创作并广为流传的美术如：年画、剪纸、木雕、皮影、石雕、砖雕、泥塑、玩具、陶瓷等。他们和民俗生活密切相关民间群众喜闻乐见，体现出清新，质朴的艺术风格。
主要种类：
武强年画、唐山皮影、蔚县剪纸、雄县花灯、曲阳雕刻、等这些民间艺术大都具有色彩鲜艳，造型虽已体材吉利，构图饱满和简朴，粗犷古拙强烈、浑厚、率真的气质、成仙之北方的性格。


1年画色彩的特点：色彩明艳、明快、强烈、宋代出现明朝盛行。
年画：是我国民间岁末欢度春节喜庆丰收预示来年光景美好的一种最普及得民俗艺术品。
河北武强年画：是传统民间木刻版画一种，以木刻版，套色印刷。构图饱满，线条刚强有力，设色浓郁，艳而不媚，色彩以红、黄、绿为主，是人们喜闻乐见的一种民间艺术。
武强年画至今已有500多年的历史。采用杜木刻板、采用黑、红、绿、黄、紫、粉几套色水印的木牌画。手工刻板，手工拓印，绘、刻、印紧密结合，古朴而精美。其构图饱满，线条粗放，色彩强烈，装饰性强，有自己独特的艺术风格。画面结构紧凑，主题突出，人物场景简练。刻版以阳刻为主，兼施阴刻，线条稳健、流畅。运用黑白对比手法，不失其古朴、雅拙的风格。色彩用原色，单纯而富有变化，强烈而又调和，形成了喜气洋洋的节日气氛。


2民间剪纸基本类型：单色、染色、套色、阴文剪纸、阳文剪纸。通过剪刻染等方法塑造个中形象。剪纸历史久远，据著《西阳杂祖》记载，唐代就有”剪纸的小幡“之说。



3 剪纸的用途和分类：窗花、喜花、花样
剪纸的艺术特色：题材广泛，制作简便，构图富于变化，造型洗练，线条明快，色彩明快形式优美，否有强烈的装饰感。多用象征手法来表现满足、长寿、吉祥内容。

创作方法:1确定体裁内容2选择最能表现物象特征的角度画单线设计稿，注意形象的平面化，3把单线稿变成双线稿4把双线稿放在纸上用大头针别好后一起剪刻。



4风筝：是中国传统工艺品也是民间玩具，在河北流传相当广泛。基本结构是用细竹扎成骨架，糊上纸或丝织品并施彩绘而成。
风筝的种类：硬翅风筝、拍子风筝、直串风筝、软翅风筝、筒形风筝、折装风筝。
样式：禽、鸟、鱼、虫、人物。
起源：汉初韩信


5阿福：民间泥塑，一般宜细眉善目、面带微笑的胖娃娃的性腺出现，寄托人们对美好生活的向往体现着人们求富托付盼福的感受，课本作品郑于鹤。


6彩陶：在中国现存原始艺术中最早以色彩图形与造型相结合成为人类珍贵的文化遗产。


7 皮影戏：是傀儡戏的一种影人是平面制作，最初用纸刻制后来用驴、牛、羊等动物皮剪刻，制作成关节能动的人或物象，染色后由人操作动作，靠灯光映现在白布屏幕上演出，又称“影子戏”
唐山皮影：刻制精细，造型优美装饰性强。
中国木偶类别：仗类木偶、铁枝木偶、布袋木偶、提线木偶。


8版画：在不同材质的版面上经过加工制作，制成印版辅与油墨或色彩，印出的作品。


9染纸：主要表现形式为将较薄的吸水纸经过折叠、扎、卷、夹搓、揉等方法，并通过并通过、点、晕、刷、挤、捏、洗垂、泼等染色技法而形成千变万化绚丽多彩的装饰纹样。


10折纸：以简化、夸张、变形为表现手法



11戏剧脸谱：生、旦、净、末、丑是中国戏剧中特有的化妆艺术，以写实与象征相结合的艺术夸张手法，鲜明地表现人物面貌，揭示人物性格类型，脸谱既是中国戏剧舞台上特有化妆手段又是一种富有装饰性的图案艺术，具有极高的欣赏价值。分为净角脸谱和丑角角脸谱。京剧脸谱的颜色是以某种颜色象征某一人物的品格，这种颜色作为主色，它是一个脸谱最主要直觉得表现手段，每个脸谱至少用三种以上颜色，各种色彩有不同的作用象征。黄、勇、凶暴。紫
刚正稳练沉着。蓝
刚强、勇有心计。绿顽强暴躁。白阴险-狡诈。红忠贞英勇。黑正直无私、刚正不阿、金银神圣


12绘画日记：绘画日记形式把一天中最有意义的事情记录下来，用形象的语言表达思想感情，将会为你的学习生活增添许多乐趣，同时，又培养了绘画造型能力。


13 蜡笔水彩画：利用蜡与水不容的特点用蜡笔和水彩相结合作画，既可发挥水彩画清新透明大效果又保持蜡笔画的特点。


14水彩点染以水为媒介通过渗化来进行色彩变化。


15头饰
的作法很多，一般要经过剪、画、粘、贴的过程完成，最后将做好的头饰粘在带箍上，带箍长短要与自己头的大小合适。有的头饰也可以直接戴在头上。


16面具是表演用的道具，所以形象要大胆、夸张。把一块硬卡纸经过撕、剪、贴、画线等方法，做成各种艺术造型，拉上皮筋即可。


17绣花样是河北广大农村喜闻乐见的一种民间艺术形式。绣花样可以做成帽子、门帘、坐垫、鞋子、书包。
方法步骤在；1、先将设计的图样画在白布上，剪下来并绣在颜色布上。2、用彩线绣第一层花纹。3、有些地方可以在第一层花纹的基础上套绣第二层花纹。






三
工艺美术

1工艺美术品五个方面来欣赏评价：造型美、材质美、色彩美、装饰美、工艺美。



2怎样欣赏工艺美术作品？
答：一、造型美：指造型设计时，美的法则运用得体，结构、比例匀称，外形及轮廓线优美，体现出时代精神。二、材质美：指通过巧妙设计加工，体现出材料质地的美感。例如：象牙雕刻、金银制品、玉器等，分别具有各自材质的美。三、色彩美：指材料自身的色彩和附加的色彩所具有的共同美感。如：金、银、木等制品自身色彩的美。编织品染色、彩色玻璃工艺品都具有加工形成的色彩美。四、装饰美：指工艺美术品的图案装饰美，如雕花、彩绘等。五、工艺美：指制作技巧精致或具有特殊风格而给予人的美感。


3《剔红牡丹纹盖碗》剔红是元明两代流行的一种雕漆工艺，制作方法是在漆胎上剔刻出所需要的纹样，由于漆胎多为鲜明的红漆，故又称《剔红》。明代早期的雕漆工艺品朴实大方。中期以后，刀法渐趋快利，纹饰日益繁缛。宫廷漆器作坊生产是明早期的代表作。


4《青铜奔马》是1909年发掘出土的东汉青铜艺术珍品，体态矫健、昂首嘶鸣的奔马，三足腾起，一足踏在一只飞鸟上的这一充满想象力的艺术构思突出地表现了骏马非凡的速度和风驰电掣般的奔腾气势。


5《半山类型翁》半山类型彩陶是马家窑文化的一个类型，因1923年受次发现于甘肃省和政半山而得名。造型稳重大方，器腹的纹饰严谨规整，并以黑色锯齿纹作为镶边，这是半山类型彩陶突出的特点。


6《虎座鸟形骨架》这是战国墓葬中出土的一个鼓架，是运用漆、雕、绘三种工艺手段，创造了一个十分实用同时又非常美观的实用器具。


7〈黄花梨嵌楠木宝座〉明式家具造型简练、挺拔、用材考究，充分发挥材料本身的材质美，工艺十分精巧。


8〈唐三彩宝相花盘〉唐三彩，唐代三彩陶瓷的简称。低温釉陶器。在窑炉烧成时，各种颜色互相浸润，形成斑驳灿烂的彩色釉而独具特色，装饰是隋唐时期吉祥图案——宝相花是一种富有宝仙之意，显得十分华丽富贵。


9〈粉彩镂空转心瓶〉粉彩是一种釉上彩的瓷器，它的特点是由于在彩绘画面的某些部分
采用了以玻璃白粉打底，用中国传统绘画中没骨法渲染，突出了阴阳、浓淡的立体感，所用色彩多以淡雅柔丽名重一时。乾隆时期的珍品色彩亮丽华贵，造型精巧，瓶肚图案镂空，瓶心可转动，体现了古代制瓷业高超的工艺水平。
〈竹丝编织提篮〉竹篾工艺品。制作过程：先把竹子刻削成粗细匀净的篾丝，经过切绦，刮纹、打光和劈细等工序，编结成各种精巧的生活日用品，课本上的竹丝编织提篮是清代竹编工艺精品，造型方中见圆，编织精美，色泽古朴典雅，既有实用价值又有观赏价值。


10邮票：是人们邮寄邮件时表明以负邮资的凭证。分类 1特种邮票2纪念邮票
邮票上印有国籍面值发行年份。它具有1实用价直2收藏价值
邮票收藏活动最初于19世纪60年代，开始于欧洲


11编制：是用条状物通过穿、插、折、接等技巧来制作各种实用品和艺术品的简易方法。




四
色彩知识

1三原色：红、黄、蓝；三间色：橙、绿、紫。

2色彩的三要素：纯度、明度、色相，也叫基本属性。

3色彩的冷暖倾向称为：色性；色彩的冷暖是指人通过视觉对色彩的感受，这种感受是人们长期经验中联想的结果。

4例举三种暖色：红、橙、黄；三种冷色：蓝、绿、紫。

5纯色也就是相对单纯的颜色不加调配的颜色如：红黄蓝

6灰色：经过多次调配的色，将多种纯色混杂在一起会调出灰色，灰色也是多种颜色相互调配而产生的复色越是对比强烈的色相互调配越容易调出灰色。黑和白没有春、灰差别，没有色彩相貌差别的中性色彩，任何纯色加白加黑兜会变灰。
纯色和灰色所谓纯色，也就是相对单纯的色，不加调配的色，如红、黄、蓝、绿等。灰色也是多种颜色相互调配而产生的复色。黑和白是没有纯、灰差别，没有相貌差别的中性色。

7冷色和暖色：在色相环上桔黄视为最暖的色，叫暖的基色
，与之相对的蓝色称为冷色也较冷的基色，靠近冷色的部分称为冷色区，靠近暖色的部分为暖色区，而且，从极色开始向左右呈逐渐弱甚至向相反的方向发展，用红黄橙为主的画面为暖色画，用蓝绿紫为主的画面为冷色画
。
冷色：沉静、清爽、深远、向后退。
暖色：热烈、温暖、醒目、向前进

红、黄、蓝三原色是色彩基础。同中色配置：是用同一种颜色，以其深浅不同组成的色彩关系

8类似色配置是一种原色与含有这种原色成分的间色互相构成的色彩关系。
明亮色和深暗色：当白色的东西聚在一起连成片时，看上去明亮、清楚，而聚在一起的黑色东西看上去显得少年深暗。
颜色的配置同种色配置：是用同一种颜色，以其深浅不同组成的色彩关系。类似色配置是以一种原色含有这种原色成分的间色互相构成的色彩关系。对比色配置：指不含有同一种颜色成分的色之间的配置，一个原色同另外两个原色相加形成的间色成为对比色。


四
图案
图案的主要特征
具有秩序的美感，也就是排列整齐，装饰性强统一之中又有变化。

1渐变的基本规律：骨式的渐变；基本形的渐变；方向的渐变；位置的渐变；基本形规律的渐变。

2重复是一种变化的形式。同一方向、旋转方向、对立方向、反转方向
具有单纯型组合的秩序美变化美、节奏美。

3花边：带状纹样或二方连续纹样及由一个或两个以上的纹样组合成一个单位纹样，向上下或左右两个方向作无限的有条理的反复排列。向上下反复排列叫纵式纹样、向左右反复叫横式。

花边图案构成形式：散点式、直立式、波纹式、倾斜式、给人整齐、秩序、节奏、的美感。


散点式：以一个或几个点形形象为单位纹样做横向或纵向反复排列。
直立式：以上下垂直的方向安排形象也可上下间隔安排。
波纹式：以波纹样为骨架以线或再现的两侧安排形象。
倾斜式：以倾斜线方向安排形象，形象可以个方向并列，也可不同方向。间隔安排或依折线式排列

4藏书票：是一种贴在书上的小型标志，一般贴在书的扉页上，他表示藏书导致人是谁。藏书票一般都比较小不超过6x90m,像火柴盒大小。国际通用的藏书票还要刻上EX.LIBRIS的字样。

5标志：作为一种视觉识别符号，在生活中犹如语言一样起着传递信息的作用，并以特殊的沈凤知道人们的生活。
特征1表象形式简练2传递形式明确3艺术形象独特、美化。

6 创作装饰画的方法：1简练、概括、夸张、2平面化处理3打破比例关系4打破现实中的时空观念、5结构完整严谨。

7绣花样是河北广大农村喜闻乐见的一种民间艺术形式。绣花样可以做成帽子、门帘、坐垫、鞋子、书包。
方法步骤在；1、先将设计的图样画在白布上，剪下来并绣在颜色布上。2、用彩线绣第一层花纹。3、有些地方可以在第一层花纹的基础上套绣第二层花纹。

8挂盘是装饰居室内环境的小工艺品。制作挂盘的材料简单，只要精心设计一个自己喜欢的小图案，把它画在盘上，一件艺术品就问世了。

9面塑
是河北民间流传的一种传统手工艺品，用于各种祭祀庆祝活动。

10剪纸贴画：利用废旧画报或挂历纸的颜色、花纹及图案效果，巧妙构图，注意主体要突出，色彩搭配要鲜艳。

11兵乓球玩偶
用乒乓球加工制作玩偶，多采用画、剪、贴等方法，作为完后再扎上手帕就可以表演了。
活动玩具是我国民间传统玩具之一，其特点是将其分成几个部分，通过轴或用线连接，使玩具关节部位发生重复性动作。

12蔬菜雕刻
用蔬菜雕刻时要充分利用它的基本形状，在局部巧妙的切割、插、接，就可以变成一件有趣的艺术品了。





五
雕塑


对外国雕塑作品的欣赏可以从三个方面对学生进行引导：


1雕塑的主题。
艺术源于生活，生活也是创作的源泉。一件优秀的雕塑作品应反映生活中的真、善、美。除此之外，雕塑创作和其他艺术一样还应高于生活，在主题上紧扣时代脉搏，宏扬时代旋律，这样的作品才能得到人民的喜爱和认可，才能对社会产生积极的影响和作用。


2 雕塑的语言和形式美。
雕塑艺术有其特有的艺术语言。首先，它具有三维空间的体量感，不同于平面的绘画，它是以在的体积占有空间，通过立体的形象来表现艺术主题。其次，雕塑的艺术形象具有凝练性。雕塑的特点是把丰富的内涵凝缩为一个具体的形象。在雕塑形体的处理上要充分利用形式美的法则如：对称、均衡、韵律感、装饰性等，以达到内容和形式的完美统一。


3 雕塑的材料美。
材料以其自身的材质美感为主题服务，如历史题材的作品宜选用石材、或铸铜等材料，现代造型作品客人选用不锈钢材料等。
小型雕塑：以夸张概括的手法来完成艺术的表现以小见大



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[ 本帖最后由 bei16168 于 2007-10-18 23:46 编辑 ]

bei16168

观察与思考




观察与思考的重要性

第一次画石膏时完全不知道什么叫素描
老师就叫我先拿张素描纸对着石膏画
后来画完后老师叫我们都摆放在石膏下面做对比
在看自己的画时觉得没什么感觉蛮像的
但当和别人对比起来的时候就可以很容易看到差距了

当看到差别的时候
自己要思考为什么和其他的人画有什么区别

他们好在哪里?
他们是怎样处理画面的?
自己和他们的差距在那里?
怎样解决自己的缺点?

从模拟图可以看出
物体在光照的情况下物体的明暗会产生微妙的变化
通过对比和仔细的观察是可以看出来的
就好象画面的红色箭头的方向那样
在同一个色调里面也有它的细微变化
在箭头的指示下是从深色逐渐过度到浅色
但这个浅色区域又和其他块面的色调相对比的话也是很明显的

只有通过观察和思考
不断的分析和对比
培养自己的观察力对以后学画有一定的帮助
最起码在没有老师的指导下可以自己主动去处理问题解决问题
然后再跟朋友同学或老师进行交流听取不同的意见


这里转载一张图片
有兴趣的爱好者可以临摹学习从而进行讨论与交流




附件
2007-10-27 16:21

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2007-10-27 16:21

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bei16168

透视


【透视】 绘画法理论术语。

“透视”一词原于拉丁文“perspclre”（看透）。
最初研究透视是采取通过一块透明的平面去看景物的方法，将所见景物准确描画在这块平面上，即成该景物的透视图。
后遂将在平面画幅上根据一定原理，用线条来显示物体的空间位置、轮廓和投影的科学称为透视学。

透视有三种:
NO.1 色彩透视
NO.2 消逝透视
NO.3 线透视.

这是达芬奇总结的其中最常用到的是线透视.
透视学在绘画中占很大的比重,它的基本原理是,
在画者和被画物体之间假想一面玻璃,
固定住眼睛的位置(用一只眼睛看),
连接物体的关键点与眼睛形成视线,
再相交与假想的玻璃.
在玻璃上呈现的各个点的位置就是你要画的三维物体在二维平面上的点的位置.这是西方古典绘画透视学的应用方法.如;最后的晚餐;

中国画在的透视学应用:
(1)多视点
中国画善于表现丰富的情节,西方绘画注重单视点(类似于摄影).中国画讲求的丰富情节用单视点是不能完成的.因此,中国画用(类似于把摄象的多镜头分割再重新组合)多视点来表现.如<清明上河图>
(2)高视高
采用微俯的视角表现,"远山即高"高山往往是画在远处的,其间再用云雾缭绕加以衔接.表现一种人比山高的心情.中国画是不采用近距离仰视来表现高山的.
(2)远视距
中国画讲求"仗山尺树,寸马豆人"要求画中物体符合事物的正常比例,因此,画者必须采用远视距来表现.
毕加索的作品打破了透视学的基本规律,把一个物体的正面反面,能看见的不能看见的全都表现在一个二维的空间中.理解毕加索的画首先要抛弃透视学.
现在的画家已经开始无视一切规则,尝试打破所有的规则.但这些做法又在一个基本的哲学规则之中----打破一个旧的规则,创造新的规则.

透视的基本术语
1，视平线：就是与画者眼睛平行的水平线。
2，心点：就是画者眼睛正对着视平线上的一点。
3，视点：就是画者眼睛的位置。
4，视中线：就是视点与心点相连，与视平线成直角的线。
5，消失点：就是与画面不平行的成角物体，在透视中伸远到视平线心点两旁的消失点。
6，天点：就是近高远低的倾斜物体（房子房盖的前面），消失在视平线以上的点。
7，地点：就是近高远低的倾斜物休（房子房盖的后面），消失在视平线以下的点。
8，平行透视：就是有一面与画面成平行的正方形或长方形物体的透视。这种透视有整齐、平展、稳定、庄严的感觉。
9，成角透视：就是任何一面都 不与平行的正方形成长方形的物体透视。这种透视能使构图较有变化。
透视：将选中的图像或文字，两端对称变化。









广义透视学泛指各种空间表现的方法；狭义透视学指开始逐步确立的描绘物体、再现空间的线性透视和其他科学透视的方法。
广义透视学
　　
1、纵透视：在平面上把离视者远的物体画在离视者近的物体上面。中国古代构图法中称高远法。最典型的是埃及墓室壁画的构图，远景作为一条横带完全置于近景横带之上。
   
2、斜透视。离视者远的物体，沿斜轴线向上延伸。
   
3、重叠法。前景物体在后景物体之上。
   
4、近大远小法。将远的物体画得比近处的同等物体小。
   
5、近缩法。在同一个物体上，为了防止由于近部正常透视太大，而遮挡远部的表现，为此有意缩小近部，以求得完整的画面效果。在佛寺中常见把大佛塑造得往上逐渐膨大，实际上就是近缩法的运用，使人在其下仰视时避免过度的近大远小变化并得到完整的视觉印象。
   
6、空气透视法。由于空气的阻隔，空气中稀薄的杂质造成物体距离越远，看上去形象越模糊，所谓“远人无目，远水无波”，部分原因就在于此。同时还存在着另外一种色彩现象，由于空气中孕含水气，在一定距离之外物体偏蓝，距离越远偏蓝的倾向越明显，这也可归于色彩透视法。晚期哥特式风格的祭坛画，常用这种方法造成画面的真实性。
   
7、色彩透视法。因为空气阻隔，同样颜色的物体距离近则色彩鲜明，距离远则色彩灰淡。


线性透视
　　线性透视，即合乎科学规则地再现物体的实际空间位置，正确描绘任何物体及其空间位置的作图方法。包括科学的空气透视和隐形透视。



透视范围：
　　物体对眼睛的作用有3个属性，即形状、色彩和体积，其因远近距离不同而呈现的透视现象主要是缩小、变色和模糊消失。
与此相应，透视学研究包括3个部分：
1、研究物体的透视形（轮廓线），即上、下、左、右、前、后不同距离形的变化和缩小的原因，称为线性透视研究。这是绘画透视学着重研究的部分。
2、研究距离造成的色彩变化，即所谓色彩透视和空气透视的科学化。物体的颜色随着远近差别变化，比空气暗的物体愈远愈显得淡；比空气亮的物体愈远愈显得不亮；空气愈低愈厚，愈高愈稀；所以画远山顶深底淡。在白色背景上，暗的物体会显得小一些；反之，在暗的背景上，白色物体比在亮的背景上会显得大一些。
3、研究物体在不同距离上的模糊程度，即所谓隐形透视。例如处在同样距离处，物体小，映入人眼的夹角（视角）就小，视角越小就越不容易知觉，所以远方的物体细部就会隐去。物体越远越模糊。
   现代绘画透视着重研究和应用的是线性透视，而线性透视重点是焦点透视，它具有较完整较系统的理论和不同的作图方法。焦点透视只描绘一只眼固定一个方向所见的景物，与此同时的有散点透视，它的焦点不是一个而是多个。散点透视有纵向升降展开的画法，中国画论称为高远法；有横向高低展开的画法，称为平远法；还有远近距离展开的画法，称为深远法。


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透视基本概念：
　　1、视点，指画者的眼睛位置。
    2、足点，指画者的立足点。
    3、画面，指模型上的玻璃板，即研究透视的假设画面。看景物时可扩展成很大的画面。
    4、基面，指放置物体的水平面，画风景时即地面。
    5、基线，指画面与基面相交之平线。
    6、视角，指眼睛看物视线所成的角，以60°视角为视物最清楚的角度。
    7、视圈，又称视域，即在画法上以60°视角发射的视线转360°，在画面形成假设的视圈，是眼前看得最清楚的范围。人距离画面远则视圈大，距离画面近则视圈小。在透视作图时，应把图形画在视圈之内，超出视圈所画的图形要变形。
   8、点心，也称主点，在眼睛正前方的画面上，正好在视圈的中心。
   9、视心线，也称视中线，是视点与心点相连的视线。它必须与画面垂直。
   10、视平线，是在画面上假设的一条平线，它是通过心点所作的一条水平线，因与眼睛等高，所以称为视平线，它又是画面上下的分界线，眼面垂直。俯视透视，如站在大楼顶上低头画画的透视，称为俯视透视。假设的画面倾斜，视心线必须与画面垂直。


角度与透视
    角度与透视实际上是一个很广泛的问题，不仅仅在漫画创作时，其它各种美术形式都很讲究角度与透视。它是美学理论中一个重要的组成部分。绘画艺术一般都要求在二度空间的平面上表现三度空间的立体感，比如同样的物体近大远小等，所以，透视规律在画面构图上的运用起着决定性的作用，透视变化是绘画构图变化的现实依据。
一点透视：

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      一个物体上垂直于视平线的纵向延伸线都汇集于一个灭点，而物体最靠近观察点的面平行于视平面，这种透视关系叫一点透视，也叫平行透视。

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      首先在画面上画一条水平线（视平线），然后再画一条垂直线，相交点作为灭点，从灭点随便延伸出一条线，这条线就是将要画的物体的透视关系线，然后在透视关系线和视平线之间画出所要绘制的物体。物体高度的变化是根据透视线和视平线所成的角度的变化而变化的。当物体所处的位置不同时，画面中将表现出物体不同的面。

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       用一点透视法可以很好地表现出远近感。常用来表现笔直的街道，或用来表现原野、大海等空旷的场景，此外，如在“室内”场景中运用，更可营造出房间宽阔舒适的感觉。

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    在画物品的一点透视图时，首先找出灭点，通过灭点延伸出透视线。桌子及其上面的所有物体的透视，都是按着从灭点出发的透视线的透视而确定的，在将所有物体画出后，可以将多余的辅助线擦去，并加强所有物体的边缘或加上阴影。

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透视大概就与上述学多点这方面的知识对绘画是很有帮助 ( 透视是绘画的一门基础科目 )
有兴趣的话可以到书店逛逛看有关这方面的知识
毕竟这里资料会不齐全
留意身边的事物
多点观察多点思考
你会发现透视无处不在


下面附带几张图片自己可以观察一下这些图片是属于那种透视
















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补充收集有关知识:
知识转载于  http://jx.qtech.edu.cn/gczt/tjgc/7-2.htm


透视图的分类


建筑物具有长、宽、高三组主要方向的轮廓线，它们与画面可能平行，也可能不平行。
与画面不平行的轮廓线，在透视图中会形成灭点；与画面平行的轮廓线，在透视图中就没有灭点。
因此按物体主要方向上灭点的多少，透视图可分为三类：一点透视、两点透视、三点透视。


在图7-9a中，建筑物只有一个方向的轮廓线不平行于画面(垂直于画面)，其灭点就是主点；
而另两个方向的轮廓线均平行于画面，没有灭点。这时画出的透视，称为一点透视。


如果建筑物只有铅垂的轮廓线平行于画面，而另两组水平的轮廓线均与于画面斜交，于是在画面上就会得到两个灭点FX和FY，这两个灭点都在视平线上（图7-9b）。
这时画出的透视，称为两点透视。由于此时建筑物的两组立面均与画面成倾斜的角度，故又称为成角透视。


如果画面倾斜于基面，即画面与建筑物的三组主要方向的轮廓线都相交，于是在画面上就会形成三个灭点（图7-9c）。这时画出的透视，称为三点透视。
由于此时的画面是倾斜的，故又称为斜透视。

[ 本帖最后由 bei16168 于 2007-12-23 16:08 编辑 ]

bei16168

结构

任何复杂的物体都是由简单的几何物体
所以想了解复杂物体的结构最好先了解下简单的几何体
也是美术的基础课程之一




结构这一块暂时找不到什么好的资料
只能靠自己经验来说下
有兴趣的话可以自己找找相关的资料
毕竟那些更加专业

在画复杂的图形时可以尝试用几何体来理解
这样可以更好的了解物体在空间是怎样表现
当然在画的时候别忘了透视的重要性
在图里可以看到画出了物体的结构的同时又画出了物体的横切面结构这样可以更好的理解物体

第一是一些几何体的素描结构图

第二张开始用简单的几何体混合在一起组合成比较复杂的结构物体

第三张是形体比较复杂的物体(相机),但看物体一开始得从整体出发,这个也是我高中老师不断重复的一句话.
      一开始看到复杂的物体时要把它拆分成简单的几何体来理解,就好象这张图片一样,先理解成一个大的
      长方形与圆拄形物体,然  后在不断的细化,最终画出想要表现的形体.

第四张这个也是更多几何体组合的延伸,假如理解好简单的几何体与透视后,画起来不会很吃力的.

第五张开始更复杂的形体,但也可以分解成几个简单的几何体,原理与第三一样.

第六张人物在画画中是相对复杂的形体结构,在画人物头部时可以先理解成一个方型物体,分好人物脸部的正面
      与侧面,在进行细化.从而画出人物脸部结构


更多的例子就不提供了,都是大同小异,主要是先从大的形体出发,再往细部进行分析,
这样的话面对更复杂的物体都可以很好的理解并画出来.


还有学习结构的目的主要是理解形体的结构起伏
学习需要明确目的
有目标才能好好学

bei16168

素描



概念：


1.广义上的素描，涵指一切单色的绘画；狭义上的素描，专指用于学习美术技巧、探索造型规律、培养专业习惯的绘画训练过程。美术是表现事物的一种手段。美术的基础是造型，艺术造型是人按照自然方式进行的复杂劳动，是一项需要长期训练才能形成的特殊技能。艺术造型不只是塑造孤立静止的物体形态，更重要的是表现物体中各种形式的有机关系。掌握艺术造型的方法，需要恢复人的自然思维方式和操作方式，需要研究自然物体的形式特点和认识它的变化规律及条件。素描是解决这些造型问题的最佳途径，这在艺术造型的实践中得到了完全证明，因此，素描被称为“造型艺术的基础”。

2.素描的英文：SKETCH。




材料：



3.由木炭，铅笔， 钢笔等，以线条来画出物象明暗的单色画，称做素描。素描是一切绘画的基础，这是研究的过程中所必须经过的一个阶段。(艺术家杂志，论素描--萧如松)

4.素描通常意味着可于平面留下痕迹的方法，如蜡笔，炭笔，钢笔，画笔，墨水，及纸张，其它还包括在湿濡的陶土，沾了墨水的布条，金属，石器，容器或布的表面所造成的磨损。(艺术视觉百科全书)

5.轮廓和线条是素描的一般称谓。素描具备了自然律动感，观者从欣赏过程中可感受这一点。不同的笔触营造出不同的线条及横切关系，并包括节奏，主动与被动的周围环境，平面，体积，色调，及质感。

6.素描是一种正式的艺术创作，以单色线条来 表现直观世界中的事物，亦可以表达 思想、概念、态度、感情、幻想、象征甚至抽象形式。它不像绘画那样重视总体和彩色，而是着重结构和形式。(大不列颠百科全书)

7.在西洋美术辞典(雄狮图书公司出版)这本书中，与素描相关的解释，只有速写一项，文中认为作品或作品部份的粗略草图，是艺术家针对光影、构图和全幅之规模等要点所作的研究和探讨；它是全幅画的初步构图或其中之一。一幅出自风景画家的速写素描通常是一幅小而快的记录，用来表现风景的光线效果，同时也是为了将来重新作画时的构想作准备。

8.素描是一种用线与面的表现方式来表达的.每一个物体在光照下都有亮灰暗三部分.从最深到最亮依次是:明暗交界线,暗部,反光,灰部,亮部.在作画时,亮部要尽量避免脏,暗部要尽量避免闷(即由于线条太多而没有空隙与反光).

9素描是其他艺术的必然基础，尤其是水彩，油画，版画，雕刻(浮雕)， 另外对平面设计，也是画草图的必要基础。素描虽然被视为是两度空间 的艺术，不需要颜色及第三度空间，却也同时暗示这两者。




学习：



在素描的练习过程中，素描必须藉著光线、物体的关系，笔触的描绘手法，将自己眼睛所观察到的形体，具体而微的呈现出来。所以，素描需培养自己的观查力。另外，素描也可以解释为「存在」与「绘画」之间一切的努力，亦即所谓「绘画之描写力」。例如，描绘桌上的静物，除了可以发现静物上不同的色彩外，亦可发现放在桌上的安全感，和背景间的协调性，这些存在的形、色、线条、明暗，质感，量感、存在感、空间、动态……等等复杂的因素，互相交织，构成一个美的秩序。绘画就是要将那些自然的秩序，导换成美的、入画的秩序，这也是素描的意义和目的。素描是绘画的基础,是最能体现人的绘画水平的画种。因此，在学习中要踏踏实实，持之以衡，不可浮躁。
　

　美术高考素描考试：
　　随着我国高等教育的发展，美术院校及专业招生数量越来越多，许多爱好美术的高中生报考美术院校和专业，而素描考试是美术专业考试的主 要科目，如何在高考中提高素描成绩，是考生苦苦寻觅的问题。因此，对素描考试的研究是高中美术教师教学的重中之重。



　欧洲艺术在19世纪末，由於後期印象派、立体主义对於艺术本质的不同追求与探讨，使实体形与色的描绘完全解放，因此，也改变了传统的素描训练方式。在部分国家，如法国巴黎第一大学美术系，便以「二度空间，单色与多色的研究」来取代「素描」的课程。在这种的课程安排中，素描有著更宽广的空间，素材的弹性更大，学生可以任意使用各种不同的媒材来从事二次元的造形练习。所以，除了基本的素描概念不可偏废外，在素描媒材的训练上，应在课程的练习中给予更多的弹性与变通，使素描的训练不仅能配合艺术思潮，并且展现更多的活力和更广的表现力。

　素描是「观念」「IDEA」。也是所有图形行为的基础，尤其是绘画的基础。到了现在，素描已被认为是一种专门的表现技法，包括线条的描绘、光影、重点、调子等。

　素描是指在绘画上的基础表现，由於绘画的主要造形元素是线条和色彩，要在有限的二度空间上，发挥无限的美的情境，就必须对造形表现的技法运用熟练，方能随心所欲的达成。於是素描便是画者利用最简单的工具，将美的意念经过观察、体验、想像、选择、重组等的努力，而做下的纪录。

　由於它重在绘画发展的过程，因此，可能有各种试探的实验性，所以素描表现的内容与形式，也是多样而丰富的。

素描不仅是学习绘画的基础，一幅好的素描作品本身就是一件独立的艺术品。由于它使用的工具较为简便，又是在较短的时间内完成的，因此往往比经过很多加工的绘画作品更直接地传达作者瞬间的灵感和激情，捉取所画对象的生动气韵。在一些素描杰作中，能得到在其它画作中不易领略到的那种直觉的艺术感受。

    西方美术史上的很多绘画大师，曾留下大量的素描作品，如文艺复兴三杰、鲁本斯、伦勃朗、哥雅、安格尔、列宾、门采尔等等；而有的大画家则流传极少，象提香、委拉斯兹，由于他们长于直接在画布上起稿，所以没有留下多少素描稿；但从仅见的少数作品上仍能窥见他们在素描方面独到的功夫。

bei16168

素描写生中调子明暗层次的科学规律性


明暗交界线

明暗交界线是素描中亮部和暗部的交界部分 用于表达出物体的立体感 它是素描中最重要的要素之一 一般是物体上最暗的部分 说的准确点，“明暗交界限”而非“线”。 明暗交界线是物体固有色的最确切体现。 固有色即物体原有最基本的颜色。 物体受光线照射，分成最基本的5个面：亮面，明暗交界，暗面，灰面，反光。

素描，作为造型艺术的基本功之一，有它的客观规律。

　　在绘画上有“三大面”的论述，我国传统山水画论上亦有“石分三面”之说。在现实生活中，“体”的构成至少要有四个平面，而在视觉上，无论是从什么角度去看物体，我们的眼睛能同时看到的最多只有三个面，也只有在看到三个面时，物体的体积感最强、所以、三个大面是绘画上构成体的基础。在这个基础上往细里推，由整体到局部，可以求得很多层次的三大面——即很多层次的由大而小的体的感觉，也就是大的起伏上的小的起伏。但不论怎样柱细里推，细部总要服从整体，以保持三大面的整体感，求得大体与局部(小体)的统一。

　　实际上一个物体是很复杂的，它决不止三大面，但用构成体的基本三大面的观点去看物体，就可以主次分明地去分析体面的关系。

　　尽管素描的表现技法多种多样，但其造型的基本手段可归纳为两种：就是前章提到的线条与明暗。在实际作画时，可以完全用线描或完全用明暗调子来表现对象。我国传统绘画中的白描、双勾等以线条造型，有着悠久的历史。在西方、如法国十九世纪古典主义大师安格尔就是用极其准确而简练的线条，以优美的韵律，丰富而真实地表现了不同的人物形象的。而用明暗调子生动而有力地揭示了对象内在美的巨匠亦不乏其人，俄罗斯的洛森科、伊凡诺夫、苏里科夫，瑞典的佐恩，法国的普吕东等等，都是杰出的代表。而把线条与明暗两者结合作画，亦为众多艺术家所运用，我国当代著名画家徐悲鸿先生的素描，就是融合了中外面法之长处，将洗练的线条与丰富的明暗层次结合起来而达到高度的造诣。运用线条能充分地抒发作者的激情，可生动有力地表现对象，此法多为中国画等专业的素描所采用。明暗素描适宜于立体地表现光线照射下物体的形体结构及物体各种不同的质感、色度与空间距离感等等，使画面更具真实性。因此，明暗素描对明暗调子和明暗处理手法的研究，作为壁画、水彩画、水粉画、色彩画、甚至版画等的造型的基础训练，是十分重要的。所以，本章着重谈谈素描中的明暗调子和明暗造型的基本规律。

　　明暗现象的产生，是物体受到光线的照射的结果，是客观存在的物理现象，光线不能改变物体的形体结构。表现一个物体的明暗调子，正确处理其色调关系，首先就要对对象的形体结构要有正确的、深刻的理解和认识。因为物体的形体、结构的透视变化，物体表面各个面的朝向不同，所以光的反射量也就不一样，因而就形成了色调。所以，我们必须抓住形成物体体积的基本而的形状，即物体受光后出现受光部和背光部两大部分，再加上中间层次的灰色，也就是前面说的“三大面”。

由于物体结构的各种起伏变化，明暗层次的变化便错综复杂，但这种变化具有一定的规律性，将其归纳，可称之为“五大明暗层次”。这是物体受光之后，在每一个明显的起伏上所产生的最基本明暗层次。而任何明显的起伏在受光之后所产生的明暗变化不能少于五个基本层次。这是指物体起伏本身而言，即指亮面、中间色、明暗交接线、暗面、反光；高光包括于亮面内，五大明暗层次不包括投在别处的投影。

　　受光、背光和明暗交接线是三个基本明晴层次，另外有两个最微妙的灰色，一个在受光部，一个在背光部。这两个灰色的层次很接近，特别是反光强的时候最接近。灰色是产生在光线平行射过的那些平面上。与光线完全平行的面，可以说是最灰的面。而这些面是经常出现在明暗交接线附近的。

　　灰色的变化很不易捉摸，但如果从五个基本明暗层次去分析它们，待别是掌握住明暗交接线区别受光部和被光部，就很容易分清这两个灰色，那么在表现这些对象时，就不致为复杂的现象所迷惑，就容易把握住明暗变化的节奏，使画面所反映的面与体得到局部与整体的和谐统一，画面的整体感便更强烈。

下面分别具体谈谈与五大明暗层次有关的一些主要问题。

　　高光　不是每种情况下都有的，故不能算是基本明暗层次，它属于亮面范畴。高光在物体上往往只是一两点，或是一条线，也可能是一个面，高光的产生是由于物体的一个面与光源成垂立的缘故。所以高光与物体的质感关系很大，我们应该慎重地处理高光。高光本身有具体的形状，这与物体的形体及光源的形状有关，高光亦交待了周围面的转折关系，故与物体的体积感也有关。

　　明暗交接线　应在打轮廓时就开始抓紧它。作画首先要狠狠抓住明暗交接线的位置和形状，把物体明暗两大面区别开来，这有助于对复杂的明暗变化进行整体地处理，使画面调子得到统一。明暗交接线是物体受光部和背光部相互交接的地方，它实际就是轮廓线。我们叫它“线”，其实是明暗层次变化的大小不同的各种各样的面。一般来说，明暗交接线不受光源的照射，又受不到反射光的影响。所以这部分受光最少，比较起来在五大明暗层次中是最暗的。

　　反光　对物体的空间、环境、质感都有很大的作用。反光画不好暗面就不透明，这样暗部的结构转折关系也就表现不出来，影响了物体暗部的体积与空间。物体的暗部因受到环境及周围受光物体的影响，就产生了反光。在一般情况下反光的亮度是不会超过受光部的。

　　中间色—即灰色　这是物体受到光线侧射的地方，同时亦受环境色的侧反射影响，加上物体的结构(特别是人物的造型结构)的复杂变化，中间色的层次变化显得微妙、复杂和丰富。这些灰色在物体上有两个，一个在亮面与明暗交接线之间，另一个在暗部里。中间色是比较难画的，如果处理不当，画不出它的微妙变化的话，画面最容易出现灰与脏的毛病。

　　投影　应包括在暗部里面，它与明暗交接线有密切的关系。投影是从明暗交接线开始的；在光线的照射下，物体的影子投射到另外物体的面上就产生了投影。投影对表现对象暗部结构是很起作用的，与空间也有很大的关系。我们画投影要注意它的透视变化和明暗变化，投影越接近本物体，它的颜色就越重，边缘轮廓就越清楚；距离本物体越远则颜色越浅，边缘轮廊越模糊。把握住这规律就能准确地表现出空间关系。投影与物体本身的形体及被投射之物体的形体有很大的关系，当投影落在凹凸起伏的物体上，投影也就随着凹凸起伏的形状而变化。投影并非一片黑色，画成一片黑色就使人感到“死”，就不透明，没有空气感，从而就影响了画面的空间感。我们画日光或灯光作业不能只是受光面画得好，暗面、投影也应处理得很出色，很透明，这样画面才能表现出强烈的光感来。

右边的附图标明了物体三大面及五大明暗层次的分布。

　　物体边线　这实际上是物体转折的透视面。处理好物体边线与背景的关系很重要，其好坏直接影响到画面的空间深度。所以我们必须慎重而认真地去对待。边线的转折要画得丰富，要交待形体的透视转折关系，这个转折的透视面在素描中是明暗的虚实变化。边线处理可用“线”来概括，处理好物体边线与背景明暗变化的关系，这对将来搞创作是很有好处的。

　　素描的颜色　素描虽然是单色画，但我们应利用这单色画出不同物体的不同固有色的感觉来，不能仅仅停留在只表现对象的明暗上，只要能准确地画出对象的丰富层次和色调变化，就能表现出物象的颜色感觉。

　　素描的调子　素描必须有调子。由于对象所处的空间、地点、时间与光线的不同，画面就有不同的明暗层次变化。调子并非在作画的最后阶段统一而成，而是在素描一开始时就应胸有成竹地去考虑，处理好明暗层次的关系，既要注意画面空间的虚实变化和物体“横”的转折，又要有从上而下“坚”的亮度变化节奏。

[ 本帖最后由 bei16168 于 2008-1-22 23:46 编辑 ]

bei16168

学习笔记


以前学画的时候根本不知道什么叫素描五大调
只知道拿着个画板对着几何石膏画素描
后来为了想增强画画的知识到书店里买了本素描书来学
才知道原来素描五大调是怎么一回事
而且了解后更有把握把物体画得更加立体
当然只按这个理论去画的画画出来的物体会出现概念化
所以绘画物体时最好还要考虑到光源的方向_物体本身的质感_周围环境对物体的影响等因素
这样画出来的物体会更真实


相信各位看了上几帖的爱好者
在画物体的时候会更有把握把物体画得更加立体
注意观察身边的事物
看看物体在光线下所产生的色彩_纯度_明度的变化
有空的话可以找张不太复杂的图片来临摹

[ 本帖最后由 bei16168 于 2008-10-14 02:22 编辑 ]

bei16168

构图


摄影艺术的创作，在对着丰富多彩的现实生活，谁都想拍摄出生动感人的艺术作品。
当你很熟悉了解自己的照相机和各种感光材料的性能并掌握了一定的用光，布光知识和技法；
当你把镜头对着人物和具有典型意义的事件，对着雄伟的建设场景和壮丽的山河风光，
你考虑的一定是如何构成一个理想的画面，创作出完美的艺术形象来。
也许就在这个决定作品命运的一瞬间，你深深地感到构图是那么重要，那么关键。
在很大的程度上，构图决定着构思的实现，决定着作品的成败。
因此，研究摄影构图的实质，就在于帮助我们从周围丰富多彩的事实中选择出典型的生活素材，
并赋予它以鲜明的造型形式，创作出具有深刻思想内容与完美形式的摄影艺术作品。






    一、构图的概念

    1、什么叫"构图"


构图一词是英语COMPOSITION的译音，为造型艺术的术语
它的含义是：把各部分组成、结合、配置并加以整理出一个艺术性较高的画面。




在《辞海》中，谈到"构图"为艺术家为了表现作品的主题思想和美感效果，
在一定的空间，安排和处理人、物的关系和位置，把个别或局部的形象组成艺术的整体。
在中国传统绘画中称为"章法"或"布局"。
这个术语中包含着一个基本而概括的意义，
那就是把构成整体的那些部分统一起来，
在有限的空间或平面上对作者所表现的形象进行组织，
形成画面的特定结构，借以实现摄影者的表现意图。




总之，构图就是指如何把人、景、物安排在画面当中以获得最佳布局的方法，是把形象结合起来的方法，是揭示形象的全部手段的总和。





构图还需讲究艺术技巧和表现手段，在我国传统艺术里叫"意匠"。

意匠的精拙，直接关系到一幅作品意境的高低。构图属于立形的重要一环，但必须建立在立意的基础上。
一幅作品的构图，凝聚着作者的匠心与安排的技巧，体现着作者表现主题的意图与具体方法，
因此，它是作者艺术水平的具体反映。概括地说，所谓构图，

也就是艺术家利用视觉要素在画面上按着空间把它们组织起来的构成，
是在形式美方面诉诸于视觉的点、线、形态、用光、明暗、色彩的配合。



构图是表现作品内容的重要因素，则作品中全部摄影视觉艺术语言的组织方式，
它使内容所构成的一定内部结构得到恰当的表现，只有内部结构和外部结构得到和谐统一，才能产生完美的构图。







    2、构图的目的


每一个题材，不论它平淡还是宏伟，重大还是普通，都包含着视觉美点。
当我们观察生活中的具体物象-人、树、房或花的时候，应该撇开它们的一般特征，而把它们看作是形态、线条、质地、明暗、颜色、用光和立体物的结合体。

通过摄影者运用各种造型手段，在画面上生动、鲜明地表现出被摄物的形状、色彩、质感、立体感、动感和空间关系，使之符合人们的视觉规律，
为观赏者所真切感受时，才能取得满意的视觉效果-视觉美点。也就是说，构图要具有审美性。

正象罗丹所说的"美到处都有的，对于我们的眼睛，不是缺少美，而是缺少发现美。"；



作为摄影者，不过是善于用眼睛渤视大自然并把这种视觉感受移于是画面上而已。


但构图不能成为目的本身，因为构图的基本任务，是最大的可能阐明艺术家的构思。




构图的目的是：
把构思中典型化了的人或景物加以强调、突出，从而舍弃那些一般的、表面的、繁琐的、次要的东西，并恰当地安排陪体，选择环境，
使作品比现实生活更高、更强烈、更完善、更集中、更典型、更理想，以增强艺术效果。总的来说，就是把一个人的思想情感传递给别人的艺术，
这话可真切地表达了构图的目的。









3、构图的性质


构图和设计可以通用，因为它们的含义是一样的。
设计的精确概念和它的原始含义是构思，
即艺术家为了明确而动人地表达自己的思想而适当安排各种视觉要素的那种构思。




构图不仅指具体操作，而且还意味着把整个形态作为与复杂的摄影规则相联系而描绘的对象，把自然物象引入到一个现实的境界，
成为不同于自然的一个独立存在的世界。任何一幅优秀的摄影作品都是一个复杂的思想艺术的统一体。作品的复杂性是由生活的复杂性决定的。


然而在画面处理上贴切自然，五彩缤纷，浑然天成，绝少斧凿痕迹，这是什么缘故呢？
原在就在于摄影者在创作时，就象"工师之建宅"，经过一番选择提炼，筹划安排，组织结构上下了功夫，
在"经营位置、置阵布势"中体现了摄影者对生活的理解和匠心独运。

因此，我们在创作中一定要进行一系列的组织安排，巧思结构，精心布局，突出主要的方面，强调出本质的东西，
并把作品的主题思想体现到鲜明的形象组织中去。


构图学就是要研究一切构图的结构形式和规律，
研究构图结构的原理和原则，
研究构图和各种思维形式的对应关系。
构图学必须建筑在全部思维科学的基础上。


但构图是否也反映了客观事物的规律，至今人们仍有各种不同的看法。
有人认为"画无定法"，因为客观事物千变万化，情感思想内容更是纷纭复杂，所以谁也讲不出构图结构的规律。
恩格斯说"自然界中的普遍性的形式就是规律"，



因此可见，规律就是普遍性的形式。实践证明，构图结构是有一定的规律的，
在中国画论时的"经营位置、布置、布局、结构、光色"等都是有关构图规律精辟论述。




在中国传统绘画中把构图结构称为"章法"或"布局"，"展纸作画章法第一"。

位置经营如同围棋，下子格格皆可落，切勿乱迷。素纸也可处下落墨，切记不可胡乱抒笔。
棋有棋路，画有画理，一笔走失如棋败局。古人将章法（构图）比作下棋，摄影变如此，也要有一定的章法与布局，置阵布势。





因此构图称为画面总要，所谓总要就是纲要、概要的意思，画面构图象写文章一样，
做到有章有法，有次有主，相互呼应，虚实对比，藏露隐现，简繁适中，疏密无间等的构图规律，
服从于主题表现的要求，同时又要取得整体形式感的完美和谐的统一，这就是构图最终的目的。






二、创作与构图


摄影创作是一种最少固定最多例外，最少常规最多变化的精神劳动。
当一个摄影者的头脑被一个真实的情感意象所吸引、占有，又有能力把它保留在那里并用视觉形象表现出来时，他就会创造一个好的构图。
摄影创作离不开构图，就象上面所谈的和写文章离不开布局和章法一样，它是作品能否获得成功和重要因素之一，创作与构图的关系就是那样密切。




1、主题的形成

创作原意是艺术家形象的活动，艺术之所以不同于生活的复制主要饮食着创造和想象，包含着摄影者观的激情和创造力，包含着形象思维力和概括力。

无疑地，
每个摄影者在他生活的任何瞬间，
都有可能被某种思想感情所占据或激动，
有时候这些思想感情使他难以摆脱。
于是就开始在现实生活环境中热心地寻觅这种思想感情的表现。

摄影者在生活的瞬间中创造出摄影艺术作品来，这是一种奇特而高涨的激情形式。
因此有些人把这种激情称作为"灵感"的东西。这种灵感，心理学家认为是在创造活动中出现的一种心理现象。



灵感是因思想高度集中突然爆发出来的创作能力。
但灵感不是凭空而来，往往是经过一番苦思冥想后出现的，灵感的来临常常带有一定的偶然性，
有时是在无意之中被触发的。激发灵感的机缘很多，各种启发因素的作用实际上是促使摄影者在想象中流动的，
瞬间的未定形的思想感情明朗化并找到感性显现的美的形式。周恩来同志说过，"长期积累，偶然得之"，

他解释，"这种偶然得之是建筑在长期的生活和修养基础上的。从司空见惯的东西中，唯独天才的艺术家才能够发现美创造美"。
正象罗丹所说的，"美到处都有，只有真诚和富有情感的人才能发现它"。
生活和美紧紧联系在一起，生活中的一切无不饮食着美的因素，关键在于艺术家的敏感和想象力。
艺术家的高于常人的敏感来源于不断地努力观察生活和艺术修养。



摄影创作的主题挖掘是来自于生活的。主题的形成引起摄影者更强烈的创作欲望和创作冲动。


主题是灵魂，
是属于思想性的东西。

"意在摄先"是说在摄之前必须立意，意也就是主题，
主题形成离不开社会实践主题

一是摄影家在长期的生活实践中逐步孕育而成的，
二是从材料中提炼出来的。





    2、主题与构图的关系


主题确立后，艺术构思是形象思想最活跃的阶段，在这个阶段里虽有形象，但不是实践阶段。

因此，
事实上还有若干细节或人物形象可能尚有疏漏，
而要完成创作意图，
必须具体地把在构思中的形象和画面描绘出来。



如何表现是个技巧问题，但技巧正是整个构思的组成部份，而构思的成熟又取决于认识的深度。
为了获得表现力，艺术家在画面上说寻找"造型动机"物体结合和各种变化，以便找出其中最优秀的一种，这就是构图。




作品的构思正是从构图上体现出来的，没有构思也就没有构图，构图的过程正是构思发展和深主题的过程。


每个艺术家都生活在现实的社会里，有自己扎根的土壤-人民和生活。离开了这沃土，生命之树就会枯萎，艺术之光就会熄灭。
作品总是体现着作者对生活的感受、思索、判断和结论，透过作品可以看出作者的素养、思想、性格、情趣、要求和愿望，在作品的后面是作者的个性，
在真正的创作活动里，形象是具有强烈个性的。




构图有它自身的规律和方法，摄影者根据他们内在的敏感来进行构图，造型艺术是视觉的艺术，靠眼睛就能分辨出构图的好坏。

构图在其品质上的特征，首先应当使观赏者不用去看作品标题，也无需介绍和注解，凭视觉直觉立刻可感受到作者的意图。
作者不能靠文字达意，用标题说话，靠人、物、景和整个画面的结构去表现作者所要表达的感情和对生活的炽热的爱。



作品的主题思想，正是通过作者塑造的栩栩如生的具有鲜明个性的典型形象体现出来的，
只有这样的作品，才能使观众产生如闻其声，如见其人，如临其境的真切感。      



所以我们在摄影创作进行构图过程之前，
先要寻找创作动机（立意的动机、造型的动机），
而构图则是创作艺术作品的一个过程，
构图是艺术作品一切因素的综合。

这种综合，
是能够更全面地、更有力地表现作者思想意图，也就是把作者的思想体现到可以感触到的艺术作品形式的过程，
所以，构图正是按照艺术作品的内容把形式的一切因素连接在一起的。







三、陪体在画面的地位和作用



陪体是指画面上与主体构成一定的情节，帮助表达主体的特征和内涵的对象。


组织到画面上来的对象有的是处于陪体地位，它们与主体组成情节，对深化主体内涵，
帮助说明主体的特征起着重要作用。画面上由于有陪体，视觉语言会准确生动得多。



它的作用有如下几个特点：


1、陪体深化主体的内涵。

从作品《技革迷》来说明，画面的主体是两个工人，陪体是机器齿轮和桌上的饭，机器与工人和饭一起构成了生产技革的情节。
由于作为陪体的大型机器旁边，工作桌上摆着的盛饭、工人正在聚精会神的研究，使情节中潜藏着许多的内涵，机器和桌上的饭，
是工人的形象语言，它反映了工人在四化建设中，废寝忘食地搞技革的真实写照，这里陪体所帮助表达的视觉语言是文字难以表达的。



2、画面处理好陪体，实质上就是要处理好情节。陪体的选择要能用来刻画人物的性格，说明事件的特征，也就是要有典型性（如《晚年乐》）。



3、画面陪体的安排必须以不削弱主体为原则，不能喧宾夺主，陪体在画面所占面积多少，色调的安排，线条的走向，人物的神情动作，
都要与主体配合紧密，息息相关，不能游离于主体之外。由于画面布局有轻重主次之分，所以陪体在画面上常常是不完整的，
只需要留下能够说明总是的那一部分就够了。陪体全，主体会削弱，不要贪大求全，要从实际效果出发，取舍人有分寸感。



4、陪体的处理也有直接和间接处理，有时陪体不直接见诸于画的情况，我们说陪体虽是与主体构成情节的对象，
但有一些画面与主体构成情节的对象不在画面之中，而在画面之外。画面上主体的动作神情是与画面以外的某一对象有联系，
这对象虽然没有表现在画面之上，却一定会出现在观赏者的想象之中，这种表现我们叫作陪体的间接表现。



    陪体的间接处理，重要的在于必须巧妙地安排好引导想象的媒介。
    陪体的间接处理是结构画面的一种艺术手法，它可以扩大画面的生活容量，创造画外之画，让观赏者的想象来参加画意的创造，引起欣赏的兴趣和回味的余地。所以结构画面要做到像外见意，画外有画，画幅有限，画意有限。一些经典画例给我们以范例，如《深山藏古寺》，只画了小和尚下山溪边挑水；《竹锁溪桥卖酒家》，只在竹梢上写一酒字；《踏花归去马蹄香》，马蹄的香都不在画面之内，画面只见蝴蝶飞扑在马蹄之中，只留给观众去想象。绘画中的这些艺术构思很值得摄影者在立意和结构中学习，在选取素材，经营画面时，同时要考虑抒情性、哲理性及含蓄的审美要求，要学会利用间接处理陪体的手法，加强摄影画面的表现力和感染力。





    四、环境对烘托主体的作用


    在许多的摄影艺术作品里，我们常常可以从画面上看到有些对象是作为环境的组成部分对主体、情节起着烘托的作用，以加强主题思想的表现力。
作为环境组成部分的对象是处于主体前面的，我们称它为前景；处于主体后面的，我们称它为背景。





1、前景


    前景处在主体前面，靠近相机位置，它们的特点是呈像大，色调深，大都处于画在的四周边缘，前景通常运用的物体是树木、花草，也可以是人和物。陪体也可以同时是前景。


A、
利用一些富有季节性和地方特征的花草树木做前景，渲染季节气氛和地方色彩，使画面具有浓郁的生活气息。
用春天的挑花、迎春花作前景既交待季节性，又使画面充满春意；
用菊花、红叶做前景，秋色洋溢画面；
用冰桂、雪枝作前景，北国冬日的景象如在眼前，亲临其境。拍摄海南风光，用椰树、芭蕉作前景，富有南国情调；
用竹、红棉，具有南方的乡土气息。这些前景对主题常常是有力的烘托。



B、
前景用来加强画面的空间感和透视感。
结构画面对镜头有意靠近某些人或物，利用其呈像大，色调深的特点，与远处的景物形成明显的形体大小对比和色调深浅的对比，
以调动人们的视觉去感受画面的空间距离，视觉的效果画面就好象有了纵深轴线，使人感觉不再是平面的了。
一些有经验的摄影者在拍摄展示空间场面的内容时，总力求找到适当的前景来强调出近大远小的透视感，
而且常常利用前景与远景中有同类景物，如同是人、树、山等。由于远近不同，在画面上所占面积相差越大，
则调动人们的视觉规律来想象空间的能力就越强，纵深轴线的感受就越鲜明。




C、
突出画面内容的概括力 在表现一些内容丰富、复杂的事物的时候，有意将所要表现的事物中最有特征的部分放置在前景位置上，
是加强突出画面内容的一个重要手段（如《为了一个数据》和《新炊间黄梁》）。画面富有浓郁的生活气息，为了展示农村生活日益富裕的景象，
前景是两只新的铝制水桶，上面摆着等着要下锅的鱼块、肉类、蔬菜、白米等，由于它们处在画面的前面，呈像大而鲜明，
给了人们强烈的视觉印象，加强了对内容的概括力，增加了画观视觉感。




D、
运用前景与背景景物作内容上的对比，来完成摄影艺术常用的对比手法（如《差距》、《第一接触》），形成令人深思的主题。




E、
前景给予人们一种主观的地位感。加强画面的地位感，如用门、窗、建筑物等鲜明特征的景物做前景，
让其在画面上占有较大的位置，给观众以心理上的影响，无形中就会缩短观众与画面之间的距离，产生一种身临其境的亲切感。
这对增加画面的艺术感染力是很有利的。给观众以地位感，在其它艺术文学创作中都是很重视的，要引人入胜，先要引人入境。
象李白的诗句一样，"床前明月光，疑是地上霜，举头望明月，低头思故乡。"四句诗中第一句很重要，先说自己是在什么地方，
是在床前看明月，所以后面引发出来的思故乡的情感才自然、真实。而摄影艺术会做到这一点，就常常借助于前景来达到。




F、
前景的运用可增加画观的装饰美。
一些有规则，排列的物体，以及一些具有图案形状的物体，用来作前景，使画面象装饰了一个精美的画框或花边一样增加了美感，
显得画面生动活泼，跳跃（如《宝钢圆舞曲》）、《新的高度》），将人物镶嵌在中间，十分优美、优雅、自如。



G、
前景有均衡画面的作用
有时我们在画面上发现空缺不均衡的时候，比如天空无云显得单调时，用下垂的枝叶置于上方，弥补画面不足之处；
有时画面下方压不住，上重下轻的时候，可用山石、栏杆做前景，色调深使画面压住阵脚，达到稳定、均衡的作用。



H、
前景运用虚焦点的表现手法，给人们一种朦胧美的感觉。
近年来，在很多的摄影艺术作品中，很多人在前景的运用上，常常运用虚焦点，杂乱的景物来作前景，虚而且乱，
观众不但能够接受，而且还觉得有意思，这是由于人们对摄影艺术的审美趣味也在变化和发展，
越来越趋向自然、真实、要求有现场的气氛。前景的虚和乱可以强调出这种现场气氛而且前景的虚也有助于突出主题的实，以虚衬实。
前景的乱也是要打引号的。事实上是乱中有治，形似乱，却是以不妨碍主体突出为原则的，如果乱得边主体都淹没了，恐怕观众也难以接受，
你自己也不满意，所以它的原则是："虚中求实，乱中求治"。






以上说的是前景的八个作用。事实上，前景的运用往往是同时起其中的几种作用的，最好一箭射几雕。
总的来说，运用前景的意义是丰富画面的词汇，增加画面的文采。
但是切记，前景不可滥用，可有可无时，宁可不用，以求画面的简洁；另外，前景的形状、线条结构要尽可能优美，
与主体紧密联系和呼应，结合成一个整体，帮助表达主题思想。











2、背景


背景是指在主体的后面用来衬托主体的景物，以强调主体是处于在什么环境之中，背景对突出主体形象及丰富主体的内涵都起着重要的作用。



一切造型艺术家都很重视背景的作用，雕塑、绘画、建筑等艺术都非常重视背景对主体的烘托。

黑格尔在《美学》中说过，"艺术家不应该先把雕刻作品完全雕好，然后再考虑把它摆在什么地方，
而是在构思时就要联系到一定的外在世界和它的空间形式及地方部位"。摄影艺术家同样懂得，背景对一幅摄影作品的成败有举足轻重之势。



往往有这种情形：
拍摄一幅作品，主体、陪体、神情、姿态都很理想，但由于背景处理不好而告失败。摄影画面的背景选择，
应注意三个方面：一是抓特征；二是力求简洁；三是要有色调对比。



A、首先要抓取一些富有地方特征、时代特征的景物作背景，明显地交代出事件发生的时间、地点和时代气氛，
以加深观众对作品主题的理解，抓取其有时代特征的景物，使人们了解时代背景。

    如用冒烟的火车头或工厂的烟囱作背景，在五十年代还是使人感到生意蒸蒸日上，祖国欣欣向荣的景象，能启发人们的审美感情；但八十年代的今天，仍然这样作背景，就会被说成是污染，反映码头工人也是如此。拍摄人像也很重视选取富有特征的环境作背景来衬托人物的职业和性格特征。（如少女不能先用大红大花作背景），这称为环境肖像。环境对人物的烘托，背景的衬托也有正衬、反衬之分，如幸福的儿童用鲜花盛开的花园作环境衬托，是正衬；如饥饿贫穷的儿童处在花花世界的繁华街道上，是反衬。



    B、背景的处理力求简洁。有人说过这样的话，"绘画和摄影艺术表现手段的不同，在于绘画用的是加法，摄影用的是减法"，因为绘画反映生活总是给画面上添上些东西，而摄影反映生活则总是千方百计地减去那些不必要的东西。而其中重要的是将背景中可有可无的妨碍主体突出的东西减去，以达到画面的简洁精炼。

    从很多摄影作品上分辨出来，发现许多有经验的摄影者都充分调动各种摄影手法以达到背景的简洁。有的是用仰角度避开地平线上杂乱的景物，将主要对象干干净净地衬托在天空上；有的用俯角度以马路、水面、草地为背景，使主体轮廓清晰，获得简洁的背景；有的利用逆光，将背景杂乱的线条隐藏在阴影中；有的用晨雾将背景掩藏在白色的雾霭之中；有的用长焦距镜头缩小背景，景物排除在画面之外；有的用虚焦点柔化背景线条。这些方法都可以收到简洁背景的效果。


    C、背景要力求与主体形成影调上的对比（在彩色摄影中要有色调对比），使主体具有立体感、空间感和清晰的轮廓线条，加强视觉上的力度。

    处理轮廓形状的法则：暗的主体衬在亮的背景上；亮的主体衬在暗的背景上；亮的或暗的主体衬在中性灰的背景上；主体亮，背景亮，中间要有暗的轮廓线；主体暗，背景暗，中间要有亮的轮廓线。因为摄影是平面的造型艺术，如果没有影调或色调上的对比和间隔，主体形象就要和背景溶成一片，丧失被视觉识别的可能性，所以有人把画面景调色调的对比，比作运载手段，有了它，画面形象才会凸出来送到观众面前。
    背景的处理是摄影画面结构中的一个重要环节，只有在拍摄中细心选择，才能使画面内容精炼准确，使视觉形象得到完美表现。




    五、空白的留取

    摄影画面上除了看得见的实体对象之外，还有一些空白部分，它们是由单一色调的背景所组成，形成实体对象之间的空隙。单一色调的背景可以是天空、水面、草原、土地或者其它景物，由于运用各种摄影手段的原因，它们已失去了原来实体形象，而在画面上形成单一的色调来衬托其它的实体对象。
    空白虽然不是实体的对象，但在画面上同样是不可缺少的组成部分，它是沟通画面上各对象之间的联系，组织它们之间相互关系的纽带。空白在画面上的作用，如同标点符号在文章中的作用一样，能使画面章法清楚，段落分明，气脉通畅，还能帮助作者表达感**彩。下面具体分析一下画面空白部分的处理及其所起的作用：


    1、画面上留有一定的空白是突出主体的需要。要使主体醒目，具有视觉的冲击力，就要在它的周围留有一定的空白，如拍人物也总是避免头部、身体与树木、房屋、路灯及其它物体重叠，而将人物安排单一色调的背景所形成的空白处，在主体物的周围留有一定空白，可以说是造型艺术的一种规律。因为，人们对物体的欣赏是需要空间的，一件精美的艺术品，如果将它置于一堆杂乱的物体之中，就很难欣赏到它的美，只有在它周围留有一定的空间，精美的艺术品才会放出它的艺术光芒。


    2、画面上的空白有助于创造画面的意境
    一幅画面如果被实体对象塞得满满的，没有一点空白，就会给人一种压抑的感觉，画面上空白留得恰当，才会使人的视觉有回旋的余地，思路也有发生变化的可能。人们常说："画留三分空，生气随之发。"空白留取得当，会使画面生动活泼，空灵俊秀。空白处，常常洋溢着作者的感情，观众的思绪，作品的境界也能得到升华。
    画面的空白不是孤立存在的，它总是实处的延伸。所谓空处不空，正是空白处与实处的互相映衬，才形成不同的联想和情调。比如齐白石画虾，几只透明活泼的小虾周围大片空白，没有画水，但人们觉得周围空白处都是水。摄影画面空白处与实处的经营，也应能激起观众丰富的联想，利用空白来创造意境，在其它艺术中都有创造性的作用。


    3、空白还是画面上组织各个对象之间呼应关系的条件
    不同的空间安排，能体现不同的呼应关系。所谓呼应，总是由两个对象之间有一定距离构成的，如两上对象紧挨在一起，也就无所谓呼应。一切物体因开头不同，使用情况不同，线条伸展方向不同，光线照射不同等等情况，都会显出一定的方向性，有向背关系，要仔细观察物体的方向性，合理地安排空白距离，以组织其相互的呼应关系。


    4、空白的留取与对象的运动有关 一般的规律是：正在运动的物体，如行进的人，奔驰的汽车等对象，前面要留有一些空白处，这样才能使运动中的物体有伸展的余地，观众心上也觉通畅，加深对物体运动的感受，人的视线也是一种具有合乎人们欣赏的心理要求。总之，我们要善于灵活地，具有独创地运用空白。
    5、画面上的空白与实物所占的面积大小，还要合乎一定的比例关系。


    要防止面积相等、对称，一般来说，画面上的空白处的总面积大于实体对象所占的面积，画面才显得空灵、清秀。如果实体对象所占的总面积大于空白处，画面重在写实，但如果两者在画面上的总面积相等，给人的感觉就显得呆板平庸，这是一个形式感觉的问题。
    我国古代绘画论说："疏可走马，密不透风。"也就是说在疏密的布局上走点极端，以强化观众的某种感受，创造自己的风格。空白的留舍及空白处与实处的比例变化，的确是一项创造性的画面布局的重要手段。




    六、画面要达到整体的均衡
    在把画面的各个部分组成一个完整的过程中，最后一步是要审查一下画面是否均衡，因为均衡是人们在长期生活中形成一种心理要求和形式感觉。
画面均衡与否，不仅对整体结构有影响，还与观众的欣赏心理紧密地联系着。
    现实生活中，一切稳定的物体都有均衡的形式：桌子四条腿是稳固的，如果三条腿则一定将它形成均衡的鼎足足势才会稳固；盖房子如果下面小上面大，就给人一种不稳固的感觉；挑担子一头重一头轻，使人走路不便；劳动中人们的姿态显然是求得身体均衡以合乎这一劳动特点的姿态……。许许多多的生活现象培养了人们要求均衡的心理，并且在人们的审美过程中起作用。


    一幅画面在一般情况下应该是均衡，安定的，使人感到稳定，和谐，完整。利用人们要求均衡的心理因素，可以从几个方面来强调画面的表现力：



1、强调一种庄重、肃穆的气氛时，要求画面的均衡平稳，甚至有意地采取对称式的均衡，
从四平八稳的对称均衡中显示出一种古朴的庄重的关系。

2、在一些强调幽雅、恬静、柔媚的抒情性风光画面及生动活泼的人物、情节画面中，
要求的是变化中的均衡画面上可以有疏有密，有虚有实，但整体要求是均衡的。

3、均衡还可以从另一方面来加以运用。即有意地违反均衡的法则，使画面人不均衡中造成某种动荡感，
象受到外界冲击一样。利用不均衡的变格形式来深刻地表达主题。




    以上我们详细谈了关于画面构图与布局的五个关键的问题，可概括为：
    1）主题在画面的位置和地位；
    2）陪体在画面的地位和作用；
    3）环境对烘托主体的作用；
    4）画面空白的留取；
    5）画面要达到整体的均衡；

    这对今后我们在摄影创作中很好地去运用和实践，找出画面布局的规律、重点手法，提高我们创用上的成功率起着重要的作用。



    七、线条的表现力

    现在我们进入了千变万化，五彩缤纷的构图形式的百花园中，面对着一丛丛艺术构图的花朵，你首先看到的一定是各种姿态的形象，生动感人的人物造型，气势雄伟的矿山工厂，艳丽多姿的奇花异草和壮美秀丽的大好河山。那么，单纯从构图形式的角度，透过这些形象你又看到了什么呢？是什么因素构成了这些完美的形象和巧妙的布局？是光，是影调，是线条，还是色彩？大家都有各自不同的讲法。


    构图主要是由两大因素组成的，一个是线条，一个是影调。它们是一幅摄影画面的"肌肉"和"骨架"，我们可以从形式上看任何一幅照片，都会发现它们的画面都是由不同形状的线条和影调构成的，那么如何在画面里根据主题和内容的需求来结构画面的线条呢？下面分别谈谈线条的特点：

    1、线条的提炼
    （1）、神秘的线条感，我们的祖先是世界上用线条作为艺术表现手段的最早民族之一，这甚至可以追溯到七千五百年前的新石器时代，那时就已有用线条勾绘出来的形形色色的彩陶纹饰，在殷商时期就有古朴爽直的甲骨文和圆润敦厚的象形文字，这说明很早以前人们就发现和运用了线条的艺术。
    线条是客观事物存在的一种外在形式，它制约着物体的表面形状，每一个存在着的物体都有自己的外沿轮廓形状，都呈现出一定线条组合。比如方形的桌子，长主形的柜子，它们有棱有角，有面有分界线，圆的球、圆形的柱子等有孤形的线条，树木有垂直线，河岩有曲线，车船、树、瓜果等生活中任何一样东西都有自己的形状和轮廓线条，物体的不同运动，也呈现出不同的线条组合，站立着的人和跑着的人线条结构都不同，由于人们在长期的生活中对各种物体的外沿线条轮廊及运动物体的线条变化有了深刻的印象和经验，所以反过来，通过一定线条的组合，人们就能联想到某种物体的形态和运动。因此，所有造型艺术都非常重视线条的概括力和表现力，它是造型艺术的重要语言。


    摄影艺术同样必须重视线条的提炼和运用，要善于利用角度，光线，镜头等自身特有的手段，把不同物体的富有表现力的外沿轮廓加以突出和强调，使之清晰简洁，借以再现准确、鲜明、生动的视觉形象，说到线条的运用时，有些一般理解为某种线型的排列组合或者某种线条的图案美和线条趣味，实际上只会在画面上塑造可视的形象都离不开线条的提炼，比如，要想再现人的表情，动作，姿态，必须选择角度，光线等，将人的面部线条动作姿态的外沿轮廊线勾画出来，平展在画面上，人们才能感受其表情，姿态和动作的内容，并受到感染，否则，形象就会消失。我们古今画家们就是用这些丰富的线条技巧，线条的表现形式来表现人物和景物的质感，量感和空间感，运用线条来抒发自己的情感。所以说，线条是各种造型艺术表现形式的灵魂。




    （2）、线条的功能
    线条的功能可以归纳为以下三个方面：


    A、线条可以作用于画面的整体结构和主体形象的总的姿态，不管是大海、森林，还是高山和深谷，
我们看到的自然现象，并根据其特点，选出横、直、曲斜等线条形式，在画面结构中发挥它主要的作用。

    B、线条可以通过对主体、陪体和背景等细部的刻划，造成不同的质感，量感和空间感。

    C、线条在造成一件作品的旋律、节奏和意境方面，也起着很重要的作用。
线条并不是客观存在的实体，它只不过是因光的作用形成的各种物体的轮廓线，不同影调之间的分界线和由过度色块所组成的线型，
甚至是根本不存在的人的视觉以及断续模糊的虚线，这些不同的线条，大都是在作品完成后期才能看到。在实际生活中从事摄影创作活动时，
如果不认真分析、观察、体验，就有可能忽视或体会不到线条的存在，因此，我们要对摄影眼的锻炼、才有可能充分利用线条来完成构图。


    （3）、线条的特点

    我们把线条的特点和作用归纳分析，对我们进行摄影创作很有帮助。 线条它各自不同的特点：
    A、垂直线条：可以促使视线上下移动，显示高度，造成耸立、高大、向上的印象。
    B、水平线条：可以导致视线上下移动，产生开阔、伸延、舒展的效果。
    C、斜线条：会使人感到从一端向另一端扩展或收缩，产生变化不定的感觉，富于动感。
    D、曲线条：使视线时时改变方向，引导视线向重心发展。


    E、圆形线条：可以造成人们的视线随之旋转，有更强烈的动感。
    用垂直线条表现英雄形象和工业建设场景，这样有助于烘托形象高大，雄伟，向上，挺拔的艺术效果，突出人物的精神面貌和场景的巍峨气势。
    用横向联合线来表现群众活动场面，农业生产和山水风光等内容作品，以强调画面的辽阔，舒展，秀美宁静的气氛。
    用倾斜线条来表现动体的体育活动，舞蹈等对那些需要加强画面结构的变化和刻划生产活泼形象的作品也会有运用。
    用曲线和圆线时，多为了强调画面的纵深感和动感使画面结构更加丰富更富有艺术性。 线条的形式看起来好象很复杂，实际上只有进一步归纳起来，它只不过仅有直线和曲线两大类，直线包括着垂直线立平线和斜线。
    曲线的线条形式虽然比较丰富，但基本上都是波状线条的各种变形。


    2、线条的运用
    人运用线条来表达事物的特征
    （1）、一幅画面要根据拍摄对象的特征，选择和提炼一但富有代表性的线条来表达内容，感染观众。任何艺术都不是自然主义照搬生活，都要对生活进行概括和提炼，摄影艺术也不例外，凡是用取景框选取到画面上来的景物，都应该经过作者的选择、安排和提炼，其中重要的是运用线条。对鲜明简洁的线条形式呈现于画面，以发挥主线的表现力和概括力。


    （2）、运用某种线条结构来传达感情
    在造型的艺术中，线条是重要的抒情手段，由于人们在长期的现实生活中对某些物体的线条结构积累了深刻的印象和感受，因此一拍到某种类型的线条结构就会产生了联想，激发起相应的感**彩，艺术家们在长期的艺术实践中对线条定格表达感情的能力非常重视，艺术理论中对线条的表现力有这样的详述：水平线表现平稳，垂直线表现崇高，曲线表现优美，放射线表现奔放，斜线富有动感，圆形线条流动活泼，三角形线条稳定等。
    摄影者应该有诗人的心灵，要把现实生活中各种物体的线条结构看成是生命的对象。树木、花草、山、石等自然界的物体，要仔细研究它们外沿轮廊线条的形状，姿态和伸展方向，利用它们各种形似来抒情。


    （3）、运用富有特征的瞬间所展示的线条来结构表现动作和情节
    运动着的对象物体它的形状姿态，轮廓线条则是正在不断地运动和变化的，所以要提炼运动着对象的线条结构，除了其它的造型手段外，抓取瞬间具有极其重要的意义，不同的瞬间，动体呈现的线条结构就不同，其造型表现力也不同。


    A、高潮点的瞬间，动体的线条一般舒展流畅，刚劲有力，如跳高、跳远、戏剧、舞蹈跳跃等。在高潮点按下快门，
形状线条优美舒展，能展示运动和力度和技巧，感情奔放。

    B、运动的力的积聚阶段；线条姿态富于变化，引而不发欲伸未展，婉转蕴藉。

    C、有些动作情节中富有表现力的姿态轮廓线条常常是在动作已经开始，但未完成之际，
这样的瞬间姿态会促使观众在想象中去完成动作的连续性。（如人与物）


    D、运用线条的排列组合，创造画面的节奏和韵律。
    线条的重复排列成视觉上的节奏相似线条的变化和差异产生韵律。画面上线条的形状不同，
排列疏密不同经人不同的视觉节奏，有的明快、有的柔和、有的急剧、有的缓慢。


    最后，应该强调，线条的运用，一定要有利于主题的表达，要与内容紧密关联，不能脱离内容单纯追求线条效果。在摄影创作中要灵活运用。



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无论是摄影还是绘画
构图都是很重要的
好的构图可以使画面更有视觉冲击力_能更好的感染观看者
也可以更好的表达作者当时的心情

bei16168

色彩


色彩
可分为无彩色和有彩色两大类。前者如黑、白。灰，后者如红、黄．蓝等七彩。



有彩色就是具备光谱上的某种或某些色相，统称为彩调。与此相反，无彩色就没有彩调。



无彩色有明有暗，表现为白、黑，也称色调。有彩色表现很复杂，但可以用三组特微值来确定。

其一是彩调，也就是色相；
其二是明暗，也就是明度；
其三是色强，也就是纯度、彩度。明度、彩度确定色彩的状态。称为色彩的三属性。明度和色相合并为二线的色状态，称为色调。
                     有些人把明度理解为色调，这是不全面的。




明度

谈到明度，宜从无彩色人手，因为无彩色只有一维，好辩的多。（图）最亮是白，最暗是黑．以及黑白之间不同程度的灰，都具有明暗强度的表现。
若按一定的间隔划分，就构成明暗尺度。有彩色即靠自身所具有的明度值，也靠加减灰、白调来调节明暗。



日本色研配色体系（P．C．C·S·）用九级，门塞儿则用十一级来表示明暗，两者都用一连串数字表示明度的速增。
物体表面明度，和它表面的反射率有关。反射的多，吸收得少，便是亮的；相反便是暗的。只有百分之百反射的光线，
才是理想的白，百分之百吸收光线，便是理想的黑。

事买上我们周围没有这种理想的现象，因此人们常常把最近乎理想的白的硫化镁结晶表面，作为白的标准。

在P．C．C．S．制中，黑为’1，
灰调顺次是2.4．3.5、4.5． 5.5、 6.5、 7.5、 8.5，白就是9.5。越靠向白，亮度越高，越靠向黑，亮度越低。
通俗的划分，有最高、高、略高、中、略低、低、最低七级。在九级中间，如果加上它们的分界级，
即 2、 3、 4、 5、 6、 7． 8、 9，便得十七个亮度级。

有彩色的明暗，其纯度的明度，以无彩色灰调的相应明度来表示其相应的明度值。
明度一般采用上下垂直来标示。最上方的是白，最下方是黑，然后按感觉的发调差级，排入灰调。
‘这一表明明暗的垂直轴，称无彩色轴，是色立体的中轴。




色相

有彩色就是包含了彩调，即红、黄、蓝等几个色族，这些色族便叫色相。



最初的基本色相为：红、橙、黄、绿、蓝、紫。在各色中间加插一两个中间色，其头尾色相，
按光谱顺序为：红、橙红、黄橙、黄、黄绿、绿、绿蓝、蓝绿、蓝、蓝紫、紫、红紫。红和紫中再加个中间色，可制出十二基本色相。

这十二色相的彩调变化，在光谱色感上是均匀的。如果进一步再找出其中间色，便可以得到二十四个色相。
如果再把光谱的红、橙黄、绿、蓝、紫诸色带圈起来，在红和紫之间插入半幅，构成环形的色相关系，便称为色相环。
基本色相间取中间色，即得十二色相环。再进一步便是二十四色相环。
在色相环的圆圈里，各彩调按不同角度排列，则十二色相环每一色相间距为30度。
二十四色相环每一色相间距为15度。

P．C．C．s制对色相制作了较规则的统一名称和符号。
其中红、橙、黄、绿、蓝、紫，指的是其“正”色（当然，所谓正色的理解，各地习惯未尽相同）。
正色用单个大写字母表示，等量混色用并列的两个大写字母表示，不等量混色，主要用大写字母，到色用小写字母。
唯一例外的是蓝紫用V而不用BP。V是紫罗兰的首字母，为色相编上字母作为标记，便于正确运用而又便于初学记忆。

日本人以这样来划分并定色名，显然是和门塞尔的十色相，二十色相配合的。
门塞尔系统是以红、黄、绿、蓝、紫五色为基本色，把它称作黄红。
因此P、C、C、S制的二十四色便也归为十类，





彩度

一种色相彩调，也有强弱之分。
拿正红来说，有鲜艳无杂质的纯红，有涩而像干残的“凋玫瑰”，也有较淡薄的粉红。
它们的色相都相同，但强弱不一，一般称为（Sa＋ura＋lOn）或色品。
彩度常用高低来指述，彩度越高，色越纯，越艳；彩度越低，色越涩，越浊。纯色是彩度最高的一级。


表示彩度，一般用水平横轴.以无彩色竖轴为点，在色相环某一色相方向伸展开去，
按彩度由低至高分作若干级， P、 C、 C、 S制便分九级，以S为其标度单位。最低为IS。


最高为g S。越靠近无彩竖轴，彩度便越低。无彩轴上没有一点儿彩调，可说彩度为O S。
离无彩轴远则彩度高，端点便是纯色，亦即是光谱上该色之色相。


彩度是这样分级的：按纯度的亮度，寻找其对应的灰调，分九等份（依感觉），逐一加入纯色中，同时逐一扣去约色的一份。
于是便得到纯色的八个连续的彩度。 5 S是扣去4／9纯色加入了4／9的灰量；ISG是扣去8／9纯度，加入了8／9纯色，加入了8／9灰量。

通俗的分法，与九级彩度相对应。用高、略高、中、略低、低五级来标示。



立体色标

我们把以上在白光下混合所得的明度、色相和彩色组织起来，选由下而上，在每一横断面上的色标都相同，上横断面上的色标较下横断面上色标的明度高。再由黑、白、灰作为中心轴，中心而外，·使同一圆柱上，色标的纯度都相同，外圆柱上的比内圆柱上的纯度高。再队中心轴向外，每一纵断面上色标的色相都相同，使不同纵断面的色相不同的红、橙、黄、绿、青、蓝、紫等色相自环中心轴依时针顺序而列，这样就把数以千计的色标严整地组织起来，成为立体色标。目前影响较大的立体色标是奥斯特华色标和门塞尔色标。

bei16168

色彩与视觉的原理





1.光与色
光色并存，有光才有色。色彩感觉离不开光。


（1）光与可见光谱。光在物理学上是一种电磁波。
从0.39微米到0.77微米波长之间的电磁波，才能引起人们的色彩视觉感觉受。
此范围称为可见光谱 。波长大于0.77微米称红外线，波长小于0.39称紫外线。


（2）光的传播。光是以波动的形式进行直线传播的，具有波长和振幅两个因素。
不同的波长长短产生色相差别。不同的振幅强弱大小产生同一色相的明暗差别。
光在传播时有直射、反射、透射、漫射、折射等多种形式。光直射时直接传入人眼，视觉感受到的是光源色。
当光源照射物体时，光从物体表面反射出来，人眼感受到的是物体表面色彩。
当光照射时，如遇玻璃之类的透明物体，人眼看到是透过物体的穿透色。
光在传播过程中，受到物体的干涉时，则产生漫射，对物体的表面色有一定影响。
如通过不同物体时产生方向变化，称为折射，反映至人眼的色光与物体色相同。





色彩三要素及色彩对比

<一>.色相对比的基本类型
两种以上色彩组合后，由于色相差别而形成的色彩对比效果称为色相对比。它是色彩对比的一个根本方面，其对比强弱程度取决于色相之间在色相环上的距离（角度），距离（角度）越小对比越强，反之则对比越强。


1.零度对比

（1）无彩色对比 无彩色对比虽然无色相，但它们的组合在实用方同很有价值。
         如黑与白 、黑与灰、中灰与浅灰，或黑与白与灰、黑与深灰与浅灰等。
         对比效果感觉大方、庄重、高雅而富有现代感，但也易产生过于素净的单调感。

（2）无彩色与有彩色对比 如黑与红、灰与紫，或黑与白与黄、白与灰与蓝等。
         对比效果感觉既大方 又活泼，无彩色面积大时，偏于高雅、庄重，有彩色面积大时活泼感加强。

（3）同种色相对比 一种色相的不同明度或不同纯度变化的对比，俗称姐妹色组合。
         如蓝与浅蓝（蓝+白）色对比，橙与咖啡（橙+灰）或绿与粉绿（绿+白）与墨绿（绿+黑）色等对比。
         对比效果感觉统一、文静、雅致、含蓄、稳重，但也易产生单调、呆板的弊病。

（4）无彩色与同种色相比 如白与深蓝与浅蓝、黑与桔与咖啡色等对比，其效果综合了（2）和（3）类型的优点。
         感觉既有一定层次，又显大方、活泼、稳定。



2.调和对比

（1）邻接色相对比 色相环上相邻的二至三色对比，色相距离大约30度左右，为弱对比类型。
         如红橙与橙与黄橙色对比等。效果感觉柔和、和谐、雅致、文静，但也感觉单调、模糊、乏味、无力，必须调节明度差来加强效果。

（2）类似色相对比 色相对比距离约60度左右，为较弱对比类型，
         如红与黄橙色对比等。 效果较丰富、活泼，但又不失统一、雅致、和谐的感觉。

（3）中差色相对比 色相对比距离约90度左右，为中对比类型，
         如黄与绿色对比等，效果明快、活泼、饱满、使人兴奋，感觉有兴趣，对比既有相当力度，但又不失调和之感。



3.强烈对比

（1）对比色相对比 色相对比距离约120度左右，为强对比类型，
         如黄绿与红紫色对比等。效果强烈、醒目、有力、活泼、丰富，但也不易统一而感杂乱、刺激、造成视觉疲劳。
        一般需要采用多种调和手段来改善对比效果。

（2）补色对比 色相对比距离180度，为极端对比类型，
         如红与蓝绿、黄与蓝紫色对比等。效果强烈、眩目、响亮、极有力，
        但若处理不当，易产生幼稚 、原始、粗俗、不安定、不协调等不良感觉。









<二>明度对比的基本类型

两种以上色相组合后，由于明度不同而形成的色彩对比效果称为明度 对比。
它是色彩对比的一个重要方面，是决定色彩方案感觉明快、清晰、沉闷、柔和、强烈、朦胧与否的关键。

其对比强决于色彩在明度等差色级数，
通常把1——3划为低明度区，8——10划为高明度区，4——7划为中明度区。

在选择色彩进行组合时，
当基调色与对比色间隔距离在5级以上时，称为长（强）对比，3——5级时称为中对比，1——2级时称为短（弱）对比。
据此可划分为九种明度对比基本类型



（1）高长调 如10：8：1等，其中10为浅基调色，面积应大，8为浅配合色，面积也较大，1 为深对比色，面积应小。
         该调明暗反差大，感觉刺激、明快、积极、活泼、强烈。

（2）高中调 如10：8：5等，该调明暗反差适中，感觉明亮、愉快、清晰、鲜明、安定。

（3）高短调 如10：8：7等，该调明暗反差微弱，形象不分辩，感觉优雅、少淡、柔和、高贵、软弱、朦胧、女性化。

（4）中长调 如4：6：10或7：6：1等，该调以中明度色作基调、配合色，用浅色或深色进行对比，感觉强 硬 、稳重中显生动、男性化。

（5）中中调 如4：6：8或7：6：3等，该调为中对比，感觉较丰富。

（6）中短调 如4：5：6等，该调为中明度弱对比，感觉含蓄、平板、模糊。

（7）低长调 如1：3：10等，该调深暗而对比强烈，感觉雄伟、深沉、警惕、有爆发力。

（8）低中调 如1：3：6等，该调深暗而对比适中，感觉保守、厚重、朴实、男性化。

（9）低短调 如1：3：4等，该调深暗而对比微弱，感觉沉闷、忧郁、神秘、孤寂、恐怖。

另外，还有一种最强对比的1：10最长调，感觉强烈、单纯、生硬、锐利、眩目等。







<三>纯度对比的基本类型

两种以上色彩组合后，由于纯度不同而形成的色彩对比效果称为纯度对比。
它是色彩对比的另一个重要方面，但因其较为隐蔽、内在，故易被。
在色彩设计中，纯度对比是决定色调感觉华丽、高雅、古朴、粗俗、含蓄与否的关键。
其对比强弱程度取决于色彩在纯度等差色标上的距离，距离越长对比越强，反之则对比越弱。

如将灰色至纯鲜色分成10个等差级数，
通常把1——3划为低纯度区，8——10划为高纯度区，4——7划为中纯度区
在选择色彩组合时，
当基调色与对比色间隔距离在5级以上时，称为强对比；3——5级时称为中对比；1——2级时称为弱对比。
据此可划分出九种纯度对比基本类型。



（1）鲜强调 如10：8：1等，感觉鲜艳、生动、活泼、华丽、强烈。

（2）鲜中调 如10：8：5等，感觉较刺激，较生动。

（3）鲜弱调 如10：8：7等，由于色彩纯度都高，组合对比后互相起着抵制、碰撞的作用，
         故感觉刺目、俗气、幼稚、原始、火爆。如果彼此相距离离大，这种效果将更为明显、强烈。

（4）中强调 如4：6：10或7：5：1等，感觉适当、大众化。

（5）中中调 如4：6：8或7：6：3等，感觉温和、静态、舒适。

（6）中弱调 如4：5：6等，感觉平板、含混、单调。

（7）灰强调 如1：3：10等，感觉大方、高雅而又活泼。

（8）灰中调 如1：3：6等，感觉相互、沉静、较大方。

（9）灰弱调 如1：3：4等，感觉雅致、细腻、耐看、含蓄、朦胧、较弱。
另外，还有一种最弱的无彩色对比，如白：黑、深灰：浅灰等，由于对比各色纯度均为零 ，故感觉非常大方，庄重，高雅，朴素。







<四>色彩的面积与位置对比
形态作为视觉色彩的载体，总有其一定的面积，因此，从这个意义上说，面积也是色彩不可缺少的特 性。艺术设计实践中经常会出现虽然色彩选择比较适合，但由于面积、位置控制不当而导致失误的情况 。



1.色彩对比与面积的关系
（1）色调组合，只有相同面积的色彩才能比较出实际的差别，互相之间产生抗衡，对比效果相对强烈。
（2）对比双方的属性不变，一方增大面积，取得面积优势，而另一方缩小面积，将会削弱色彩的对比。
（3）色彩属性不变，随着面积的增大，对视觉的刺激力量加强，反之则削弱。因此，色彩的大面积对比可造成眩目效果。如在环境艺术设计中，一般建筑外墙、室内墙壁等都选用高明度、低纯度的色彩，以减低对比的强度，造成明快、舒适的效果。
（4）大面积色稳定性较高，在对比中，对它色的错视影响大；相反，受它色的错视影响小。
（5）相同性质与面积的色彩，与形的聚、散状态关系很大的是其稳定性，形状聚集程度高者受它色影响小，注目程度高，反之则相反。如户外广告及宣传画等，一般色彩都较集中，以达到引人注意的效果。


2.色彩对比与位置的关系
（1）对比双方的色彩距离越近，对比效果越虽，反之则越弱。
（2）双方互相呈接触、切入状态时，对比效果更强。
（3）一色包围另一色时，对比的效果最强。
（4）在作品中，一般是将重点色彩设置在视觉中心部位，最易引人注目。如井字形构图的4个交叉点。





<五>色彩的肌理对比

色彩与物体的材料性质、形象表面纹理关系很为密切，影响色彩感觉的是其表层触觉质感及视觉 感受。
（1）对比双方的色彩，如采用不同肌理的材料，则对比效果更具情趣性。
（2）同类色或同种色相配，可选用异质的肌理材料变化来弥补单调感。如将同样的红玫瑰花印制在薄尼龙沙窗及粗厚的沙发织物上，它们所组成的装饰效果，既成系列配套，又具材质变化色彩魅力。
（3）绘画及色彩表现中，应用各种色料及绘具可产生出不同的肌理效果，如水彩、水粉、油画、丙烯等各色颜料及蜡笔、麦当劳、钢笔、毛笔等各类画笔。
（4）同样的颜料采用不同的的手法创造出许多美妙的肌理效果，以强化色彩的趣味性、情调性美感。如拓、皴、化、防、拔、撒、涂、撒、涂、染、勾、喷、扎、淌、刷、括、点等上色手法。





<六>色彩的连续对比
（1）发生在同一时间、同一视域之内色彩对比称为色彩的同时对比。这种情况 下，色彩的比较、衬托、排斥与影响作用是相互依存的。如在黄色纸张上涂一小块灰色，这种感觉越强，出现所谓的补色错视。再如在黑纸上涂一灰色小方块，白纸上涂一同样面积及深浅的灰色小方块，同时对比的视觉感受是黑纸上的灰色更显明亮，形成所谓的明度错视。
（2）色彩对比发生在不同的时间、不同视域、但又保持了快捷的时间连续性，自然数为色彩的连续对比。
人眼看了第一色再看第二色时，第二色会发生错视。第一色看的时候越长，影响越大。第二色的错视倾向于前得的补色。这种现象是视觉残像及视觉生理、心理自我平衡的本能所致。如医院中手术室环境及开刀医、护人员工作服都选用蓝绿色，显然是为了“中和”血液 红色，巧妙地利用色彩的连续对比，使医生注视了蓝绿色后，不但可减少、恢复视觉的疲劳，同时更易看清细小的血管、神经等，从而有利于保证手术进行的准确性和安全性。









色彩推移


<一>色彩推移的特点和种类
色彩推移是将色彩按照一定规律有秩序地排列、组合的一种作品形式。种类有色相推移、明度推移、纯度推移、互补推移、综合推移等。其特点是具有强烈的明亮感和闪光感，富有浓厚的现代感和装饰性，甚至还有幻觉空间感。
1、色相推移 将色彩按色相环的顺序，由冷到暖或由暖到冷进行排列、组合的一种渐变形式。为了使画面丰富多彩、变化有序，色彩可选用色相环（似地球赤道），也可选用含白色或浅灰的色相环（似地球北半球的纬线），亦可选用含中灰、深灰、黑色的色相环（似地球南半 球的纬度）。
2、明度推移 将色彩按明度等差级系列的顺序，由浅到深或由深到浅进行排列、组合的一种渐变形式。一般都选用单色系列组合，也可选用两个色彩的明度系列，但也不宜择用太多，否则易乱易花，效果适得其反。
3、纯度推移 将色彩按等差级数系列的顺序由鲜到灰或由灰到鲜进行排列组合的一种渐变形式。互补推移是处于色相环通过圆心180度两端位置上一对色相的纯度组合推移形式。
4、综合推移 将色彩将色相、明度、纯度推移进行综合排列、组合的渐变形式，由于色彩三要素的同时加入，其效果当然要比单项推移复杂、丰富得多。






<二>色彩推移的基本构图形式
色彩推移是一种特殊的作品形式，其构图及形象组织亦有相应的特点和基本规律 。

1.平行推移 将色彩按平行的垂直线、水平线、斜线、曲线或不规则进行等间隔或不等间隔条纹状、有秩序地安排、处理。

2.放射推移
（1 ）定点放射 又称日光放射、离心放射、画面应确定 一个或多个放射点，然后将色彩围绕入射点等角度或不等角度排列、组合。
（2）同心放射 又称电波放射，画面有一个或多个放射中心，将色彩从放射中心作同心圆、同心方、同心三角、同心多边、同心不规则等形象，向外扩散处理、安排。
（3）综合放射 将定点放射和同心放射综合在一个画面中进行组织、处理。

3.综合推移 将平行推移和放射推移的手法同时出现、安排在一个画面中，使作品的形态形成曲、直、宽、窄、粗、细等对比，构图复杂、多变、效果更为丰富、有趣。但为防止产生散、乱、花、杂的弊病，画面一般只应有一个中心或主体，或一主一次，切忌多中心和多主体。

4.错位、透叠及变形
（1）错位 有整体错位和局部错位两种情况 。整体错位是为了进行色相的冷暖对比、明度的明暗对比、纯度的鲜灰对比，将底、图的色彩作整体的、相反的排列。例如底色冷到暖，则图色暖到冷，底色明到暗，则图色暗到明，底色鲜 到灰，图色灰到鲜。
局部错位是处理有规则块状色彩排列时采用的方法。例如第一排用1、2、3、4号色，第二排用2、3、4、5号色，第三排用3、4、5、6号色等，每排错开一级或多级。有时，为了某种光感及立体感处理需要，也可同时向左右两边错位，例如第一排用1、2、3、4号色，左右第二排同时都用2、3、4、5号色作对称式错位。
（2）透叠 是一种当两个形体相重叠时，处理成两者都能显现形体、轮廓的表现手法。色彩透叠可产和透明、轻快的效果，趣味性和现代感很强。当底形和面形重叠时，如果设色相差级数小，则两者小有紧贴感。当色彩级数差增大时，则两者的空间感也随之增大而有远离感。
（3）变形 色彩推移的可变性及创造性开发余地很大，在掌握基本构图形式、凤色规律后进行种种变化，充分发挥个人的构思想象，将会产生无穷无尽的佳作。
变化的形式很多，例如定点放射的放射线一般都处理成直线，可作弧线变形处理，成有单向转动感的风车状，也可作双向交叉处理，则效果更复杂丰富等等。







综合对比及色调变化

<一>综合对比
多种色彩组合后，由于色相、明度、纯度等不同差别，所产生的总体效果称为综合对比。这种多属性、多差别对比的效果，显然要比单项对比丰富、复杂得多。事实上，色彩单项对比的情况 很难成立，它们不过是色彩对比中一个侧面，因此，在创作和设计实践中都较少应用。设计师在进行多种色彩综合对比时要强调、突出色调的倾向，或以色相为主，或以明度为主，或以纯度为主，使某一主面处于主要地位，强调对比的某一侧面。从色相角度可分为浅、、深等色调倾向。从明度角度可分浅、 中、灰等色调倾向。从感情角度可分冷、暖、华丽、古朴、高雅、轻快等色调倾向。

<二>色调倾向的种类及处理
综上所述，色调倾向大致可归纳成鲜色调、灰色调、浅色调、深色调、中色调等。

1.鲜色调
在确定色相对比的角度、距离后，尤其是中差（90度）以上的对比时，必须与无彩色的黑、白、灰及金、银等光泽色相配，在高纯度、强对比的各色相之间起到间隔、缓冲、调节的作用，以达到既鲜艳又直辖市、既变化又统一的积极效果。感觉生动、华丽、兴奋、自由、积极、健康等。

2.灰色调
在确定色相对比的角度、距离后，于各色相之中调入不同程度、不等数量的灰色，使大面积的总体色彩向低纯度方向发展，为了加强这种灰色调倾向，最好与无彩色特别是灰色组配作用。感觉高雅、大方、沉着、古朴、柔弱等。

3、深色调
在确定色相对比的角度、距离时，首先考虑多选用些低明度色相，如蓝、紫、蓝绿、蓝紫、红紫等，然后在各色相之中调入不等数量的黑色或深白色，同时为了加强这种深色倾向，最好与无彩色中的黑色组配使用感觉老练、充实、古雅、朴实、强硬、稳重、男性化等。

4、浅色调
在确定色相对比的角度、距离时，首无考虑多选用些高明度色相，如黄、桔、桔黄、黄绿等，然后在各色相之中调入不等数量的白色或浅灰色，同时为了加强这种粉色调倾向，最好与无彩色中的白色组配使用。

5、中色调
是一种使用最普遍、数量最众多的配色倾向，在确定色相对比的角度、距离后，于各色相中都加入一定数量黑、白、灰色，使大面积的总体色彩呈现不太浅也不太深，不太鲜也不太灰的中间状态。感觉随和、朴实、大方、稳定等。
在优化或变化整体色调时，最主要的是先确立基调色的面积统治优势。一幅多色组合的作品，大面积、多数量使用鲜色，热必成为鲜调，大面积、多数量使用灰色，势必成为灰调，其他色调依此类推。这种优势在整体的变化中能使色调产生明显的统一感，但是，如果只有基调色而没有感到单调、乏味。如果设置了小面积对比强烈的点缀色、强调色、醒目色，由于其不同色感和色质的作用，会使整个色彩气氛丰富。活跃起来。但是整体与对比是矛盾的统一体，如果对比、变化过多或面积过大，易破坏整体，失去统一效果而显得杂乱无章。反之，若面积太小则易被四周包围的色彩同化、融合而失去预期的作用。






<三>色调变化及类型
变调即色调的转换，是艺术设计中色彩选择多方案考虑及同品种多花色系列设计的重要课题，变调的形式一般有定形变调、定色变调、定形定色变调等。


1、定形变调
实质为保持形态（图案、花形、款式等）不变的前提下，只变化色彩而达到改变色调倾向的目的，是纺织、服装、装潢、包装、装帧、环艺等多种实用美术中，经常采用的产品同品种、同花形、多色调的设计构思方法。
定形变调主要有两种形式。
（1）同明度、同纯度、异色相变调 即根据原有设计色调，保持明度、纯度不弯，只变化色相（原有色相对比距离不变）而改变色调的倾向。其色彩选择与组合的关键实质，在于要将原有整组色彩的结构保持不变，然后在色立体中围绕中心N轴，沿色相环作水平移动，基调色移到某一色相区，就形成某一色调。如移至红色相区组成红色调，移至蓝色相区且成蓝色调等。
（2）异色相、异明度、异纯度变调 根据原有色调将色相、明度、纯度做全面改变，使其完全不同的色调类型。如鲜调…灰调（…表示左右箭头）、浅调…深调、中调…鲜调、中调…浅调、深调…中调、灰调…中调、灰调…浅调、浅调…鲜调、深调…灰调、鲜调…深调等。



2、定色变调
定色变调实质是保持色彩不变，变化图案、花形、款式等，即变化色彩的面积、形态、位置、肌理等因素，达到改变总体色调倾向之目的，是实用美术中产品、作品同色彩多方案多品种的系列设计构思方法
色调转变的关键最 要在于大面积基调色的变化，其次是将色彩作小面积点、线、面形态的交叉、穿插、并置组合，利用色彩的空间混合效应，少色产生多色的效果，鲜色产生含灰色的感觉 ，使色彩之间互相呼应、取代、置换、反转与交织，做到你中有我，我中有你，使各色调既有变化又很统一，既有整体性又有独立性，从而增强系列配套之感。




3、定形定色变调
在各色调的花形与色彩都相同的前提下，可考虑大小、位置、布局进行适当变化的系列设计构思方法。







色彩混合

将两种或多种色彩互相进行混合，造成与原有色不同的新色彩称为色彩的混合。它们可归纳成加色法混合、减色法混合、空间混合、空间混合等三种类型。


< 一>、加色法混合
加色法混合即色光混合，也称第一混合，当不同的色光同时照射在一起时，能产生另外一种新的色光，并随着不同色混合量的增加，混色光的明度会逐渐提高将红（橙）、绿、蓝（紫）三种色光分别作适当比例的混合，可以得到其他不同的色光。反之，其他色光无法混出这三种色光来，故称为色光的三原色，它们相加后可得白光。
加色法混合效果是由人的视觉器官来完成的，因此它是一种视觉混合。加色法混合的结果是色相的改变、明度的提高、而纯度不并不下降。
加色法混合被广泛 应用于舞台灯光照明及影视、电脑设计等领域。


<二>减色法混合
减色法混合即色料混合，也称第二混合。在光源不变的情况下，两种或多种色料混合后所产生 新色料，其反射光相当于白光减去各种色料的吸收光，反射能力会降低。故与加色法混合相反，混合后的色料色彩不但色相发生变化，而且明度和纯度都会降低。所以混合的颜色种类越多，色彩就越暗越浊，最后近似于黑灰的状态。
人们平时在绘画、设计、染色、粉刷中的色彩调合，都属减色法应用。



<三>空间混合
亦称中性混合、第三混合。将两种或多种颜色穿插、并置在一起，于一定的视觉空间之外，能在人眼中造成混合的效果。故称空间混合。其实颜色本身并没有真正混 合，它们不是发光体，而只是反射光的混合。因此，与减色法相比，增加了一定的光刺激值，其明度等于参加混合色光的明度平均值，既不减也不加。
由于 它实际比减色法混合明度显然要高，因此色彩效果显得丰富、响亮，有一种空间的颤动感，表现自然、物体的光感，更为闪耀。
空间混合的产生须具备必要的条件。
（1）对比各方的色彩比较鲜艳，对比较强烈。
（2）色彩的面积较小，形态为小色点、小色块、细色线等，并成密集状。
（3）色彩的位置关系为并置、穿插、交叉等。
（4）有相当的视觉空间距离。

bei16168

速写【sketch 】

顾名思义是一种快速的写生方法。

速写是中国原创词汇，属于素描的一种。速写同素描一样，不但是造型艺术的基础，也是一种独立的艺术形式。

这种独立形式的确立，是欧洲18世纪以后的事情，在这以前，速写只是画家创作的准备阶段和记录手段。




在中国素描和中国白描结合产生独特的以线为主线面结合的造型方法，
为了同素描概念区分出来一般有两种定义

一绘画术语。
用简练的线条在短时间内扼要地画出人和物体的动态或静态形象。
一般用于创作的素材。

二一种篇幅短小、文笔简练生动，扼要描写生活中有意义的事物或人物的情况的文体。
也指用概括有力的笔墨描写人物或生活场景的表现手法。




速写工具速写对绘画工具的要求不是很严格，
一般来说能在材料表面留下痕迹的工具都可以用来画速写，



比如我们常用的铅笔、钢笔、圆珠、碳铅笔、木炭条、毛笔等等。

速写的作用 对于初学者来说，速写是一项训练造型综合能力的方法，
是我们在素描中所提倡的整体意识的应用和发展。速写的这种综合性，
主要受限于速写作画时间的短暂，这种短暂又受限于速写对象的活动特点。



因为速写是以运动中的物体为主要描写对象，
画者在没有充足的时间进行分析和思考的情况下，
必然以一种简约的综合方式来表现。
速写能培养我们敏锐的观察能力，
使我们善于捕捉生活中美好的瞬间。
速写能培养我们的绘画概括能力，
使我们能在短暂的时间内画出对象的特征。
速写能为创作收集大量素材，
好的速写本身就是一幅完美的艺术品。
速写能提高我们对形象的记忆能力和默写能力。
速写能探索和培养具有独特个性的绘画风格。



因此对于初学者来说，速写是一种学习用简化形式综合表现运动物体造型的绘画基础课程。
速写对于绘画创作者来说，速写是感受生活、记录感受的方式。速写使这些感受和想象形象化、具体化。
速写是由造型训练走向造型创作的必然途径。
经常练习速写，能使我们迅速掌握人体的基本结构，
熟练地画出人物和各种动物的动态和神态，对创作构图安排和情节内容的组织会有很大的帮助。
对于绘画创作者来说，速写是感受生活、记录感受的方式。速写使这些感受和想象形象化、具体化。
速写是由造型训练走向造型创作的必然途径。



注：艺术中并没有真正意义上的速写！！！ sketch是素描速写以及草图的统称





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假如说素描是用面来体现形体的结构
   那速写就是用线来体现形体的结构了

也就是用线条的长短 粗细 虚实 弯直 浓淡  疏密  来组织画面用线来表达画面




速写对于绘画创作有很大的帮助
上面都有讲解到
有了一定的造型能力后用速写来把一瞬间的灵感记录下来是最好不过的了
速写和素描 色彩 一样
应该说涉及到画面都和构图有直接的联系
当然还有透视造型等基本知识
正如对上的所有章节一样
这些知识都属于美术基本知识
而且只是简单的介绍下
假如要往某一个方向发展的话还需要学习更多的知识




有兴趣的爱好者可以找相关资料学习下
记得理论与实践相结合




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附: 以前上学的速写

[ 本帖最后由 bei16168 于 2008-4-20 22:47 编辑 ]

bei16168

Francis Cai是一位概念艺术家和插画家，曾担任过著名游戏公司Rockstar圣迭戈分部的艺术总监和High Moon工作室（注：游戏《黑暗标靶》（Darkwatch）和《伯恩的阴谋》（The Bourne Conspiracy）的开发商）的概念设计主管。这篇文章来自国外插画和概念艺术杂志《Imagine FX》，下面是他为我们大家总结的25条角色设计方面的经验：

成功设计一个角色需要你拥有全面的技法和一些基本的知识。一个成功的角色设计一方面表现在设计上，另一方面表现在视觉传达上。设计方面需要你有好的想法，视觉传达方面需要你拥有人体解剖学、构图、颜色等的理论知识和能力。下面我将说明如何在不同的角色设计中传达你的想法。


1 先画小的速写图
基本上这是所有角色设计的第一步。这步的目的就是让自己能产生尽可能多的想法而不用去考虑细节。最后你会产生一些很有趣的想法，当然更多的是不能用的想法，这都没关系，总之，这一步就是尽量往多了画。

2 类型
人类很善于给事物归类，设计师应该利用这一点，通过类似的外形或颜色来设计属于同一“组”的角色，让观众一眼就能看出来角色是属于精灵还是是兽族。

3 外形
我们辨认一个角色主要是通过其外形，角色设计中，外型对我们眼睛的重要性超过了细节、纹理甚至是颜色。比如，从远处看，细节和纹理可能是模糊的，灯光会影响到其颜色，但角色的外形很少会因为环境而改变。

4 选择
一旦我们画出很多个小的速写图之后，我们就得从中作出艰难的选择。这一步我们得决定出，那些想法可以保留，那些想法应该忽略。

5 明显的借用
利用人们已经十分熟悉的视觉暗示是很有用的，比如在这个例子里，我就借用了人们十分熟知的“纳粹”和“绑缚”，来创造出一种可怕和令人不安的感觉。

6 隐讳的借用
上一条里，我借用了非常明显和特别的视觉暗示，但隐讳的借用也能起到很好的作用。在这幅速写里，我虽然借用了宗教的长袍，但很显然，我没有直接使用任何特定宗教的服装。

7 善于改变比例
这条对设计人类角色尤为重要，改变人体各部分的比例是角色设计的一种重要手段。一个头大身体小的人跟一个头小身体大的人给我们带来的感觉是截然不同的。

8 通过表情彰显性格
角色设计的一个方面就是要变现出角色的性格。一种方法就是通过画出角色的特定表情来彰显角色最关键的性格。这在角色设计中并不是一个关键元素，但无疑对于角色的传达是很有作用的。

9 大小
如果一幅概念设计图只单独画出角色（除非是人类）是很难有效的表现出其大小的。加一个人上去对于表现角色的大小是很有帮助的。

10 通过造型或动作展示性格
最好在基本的角色设计完成之后就为他们设计对应的造型或动作，特定角色的造型或动作可以让你的设计传达出更多的信息。

11 文化
正如上面说到的，我们可以借用文化或宗教这些人们熟悉的视觉暗示，但不要滥用。适当的借用相关的文化，并合理的混合不相关联的文化，会产生很独特且非常有趣的画面。

12 变形
对常见的角色或想法进行变形会产生一些有趣的结果，虽然在一些特定的角色设计中没有用处，但多多练习，可以作为你在视觉暗示方面的试验和探索。

13 道具
某些角色的身份是通过其武器和装备辨别开来的。比如，很多科幻角色就是这样的。一件设计的很不寻常或者是很突出的武器会构成角色外形的一部分，风格化的且超大个的武器或剑，就是最典型的例子。

14 统一设计元素
除了前面提到的外形，图案、标志、服装的颜色等等的统一也可以显示出角色之间的关联性。

15 其他道具
除了武器，为你的角色旁边添加一辆汽车或小宠物或神秘的装备，都可以传达出一些信息，比如角色是做什么的或他们是如何做的。

16 视觉传达技巧
你的设计快要完成的时候，你需要用很多视觉传达方面的技巧来传达作品中的重要部分。比如，利用光线让观众的注意力集中到关键部分，比如标志、脸部的纹身、衣服上的图案等等，同时，让不太重要的部分位于阴影当中，以强化关键部分的设计。

17 使用关键图案或颜色增强角色的可辨别性
让你设计的角色具备强烈的可辨别性的方法就是将焦点集中到一个关键图案或颜色上。 很多经典漫画超级英雄的设计都是基于这个道理——就是将一个简单明了的标志画在胸前。

18 合理使用颜色和图案
除了上面提到的，从另一方面合理的使用颜色和图案可以达到另外一些效果，比如说，服装和皮肤使用互补或对比色可以让你的角色外形更加容易辨认。

19 细节
太多的细节会扼杀你的设计，细节的数量应该有节制。细节越多，每个细节在观众脑子里的印象就越弱。

20 对称
人们对人体美的标准是脸部和躯体的左右对称，虽然在真实世界中人体很少完美的左右对称。因为我们从事的是娱乐产品的设计，因此要描绘的是理想化和极致的情形。视觉传达的重要任务就是强化你想传达的信息，弱化你不想要的东西。

21 不对称
从另一方面来说，如果你要在设计中加入不对称的元素，最好是要很明确的加入。记住，细微的不对称会让人认为你画错了，如果你确定要加入不对称，那么就把它画明显点。还是前面那句话，你的信息要很明确才有效果。

22 加入性感
让角色性感起来，这是个被证明过无数遍的真理。但要学会恰当的使用，把性感元素加入到传统观念中认为不性感的人上会使画面更加有趣，比如说，“性感护士”就是个很好的例子。



23 诡异之谷
有种现象叫“诡异之谷”（Uncanny Valley），是指角色的样子除了一两处小小的不同之外，跟人类都很相似，但恰恰是这一两处的不同，会给人带来一种恐怖感。我们可以利用这种现象来创造出让人隐隐约约感到不安的角色。
（编者注：“诡异之谷”是由日本科学家森政弘提出来的理论：人和机器人的互动上，人对机器人的喜好程度并不随着和它与人相像的程度而一直成长；起初，喜好的程度确实会随着相像的程度而逐渐上升，但是到了一定程度之后，人对它的喜好感会急剧下降，甚至会转成负面的厌恶，因为会觉得他们像僵尸；直到相像程度再进一步的逼进，才会再拉升回来。所以人们要么喜欢更像人类的拟人机器人，要么更喜欢很不像人类的机器人。）



24 让角色转个身
一般来说，设计角色的时候最好将角色的正面、背面和侧面图画出来，因为在纸上画，你有时候很难预料到设计中的问题，这样能帮你发现设计中的一些问题。

25 最后的设计
让你的画面富有叙事性是一种非常有效的方法来传达角色的设计。当然，前提是首先要有出色的角色设计。让你的角色处于某种冲突或故事当中比一副简单的角色设计草图可以传达更多的信息。

bei16168

复习

上述资料的综合运用


学习了上面的资料的话
我想大家对美术基础有个大概的了解
除了学习理论知识外
还要不断练习而且是有目的的学习
这样达到的效果就更加明显



构思与构图

要画什么？
每次画画的时候都有个构思的过程
也就是想要画什么
这次我想画的是以前在线涂鸦的一张草稿
每个人作画的习惯都不一样
近段时间在学习其他人的作画步骤
也就是先画个大概的外轮廓
然后在继续深入
也有些人是直接画线稿
这个由自己决定
方便就可以了
接着就是构图

画面怎样摆放才好看？
这次采用了竖构图来画
构图的方式就不多说了
上面都有资料自己可以看看
自己觉得放的位置看起来舒服就可以了
呵呵

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[ 本帖最后由 bei16168 于 2008-10-27 21:22 编辑 ]

bei16168

透视与结构

画画一般情况下都离不开透视
当然也有例外的情况
透视和结构往往都是伴随在一起
任何复杂的物体都可以归纳为几何体的组合
所以了解几何体是一门很基础的科目
不明白的话可以复习回上面的资料



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bei16168

草稿


在画创作一幅画时
比如说:   单车
假如没有认真观察过单车的话
相信很少人能把单车画出来
其他物体也一样
只有认真的观察和练习才能把物体更好的呈现在纸上
而速写能为创作收集大量素材
所以学习速写能培养我们敏锐的观察能力
使我们善于捕捉生活中美好的瞬间
速写能培养我们的绘画概括能力
使我们能在短暂的时间内画出对象的特征

在画这个线稿的时候
原本只是想画一个人跳起来的动态
后来加上滑板和烟雾
最后修改成一只飞行坐骑怪兽
人物也加上了一些道具使得人物职业更明显(人物手上的通灵符)
而且跟怪物也有了联系

[ 本帖最后由 bei16168 于 2008-10-27 22:59 编辑 ]

bei16168

素描

要把物体画成立体的话
就需要学习素描
也是造型艺术的基础科目
理解物体的明暗层次变化的规律
可以使物体画的更立体

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bei16168

色彩

颜色是物体的相貌
而想把彩色物体画得立体也是需要学好素描
物体的颜色在一些情况下会受到环境色的影响
比如:白色墙面的房屋给太阳光的照射下
受光面会倾向一些黄色
而背光面受到天空光的影响而倾向紫色
想把颜色之间画得更协调的话
最好是看看色彩构成或多点观察

bei16168

深入

刚上色的时候觉得颜色很暗
而且只是固有色的深浅变化
颜色缺乏变化而且没有环境色的变化
后来修改下加上了光源色和环境色
使得颜色多了点变化
后来也调整下明度的对比度
使得亮的地方提亮了暗的地方也压暗了
还有修改边界似的物体的穿插关系更清晰

bei16168

调整与完成

粗略的画了个背景:L
把一些地方调整了一下
加了光晕还有环境色使得人物与背景更加协调





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